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La galerie des multiples

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Participer à l’accessibilité de l’art contemporain par la production et la diffusion d’œuvres originales multiples.

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STEVEN PARRINO

Black Flag, 2003
Portfolio de 4 feuilles de 42cm x 30 cm
15 exemplaires numerotés et signés

Steven Parrino utilise des pages d'un livre consacré au groupe Black Flag, comprenant notamment une reproduction d'un flyer dessiné par Raymond Pettibon, artiste qui a réalisé une grande partie de l'identité graphique de Black Flag.
Steven Parrino intervient sur ces pages par des recouvrements noirs. Il confronte ainsi trois univers : la musique punk, l'histoire de la peinture monochrome et l'appropriation d'images imprimées.
Steven Parrino ne se contente pas de rendre hommage à Black Flag : il fait subir au document imprimé une intervention comparable à celle qu'il impose à ses tableaux.
Il transforme une histoire du punk en une œuvre plastique, dans laquelle le noir fonctionne simultanément comme effacement, forme picturale et référence au nom du groupe.

Steven Parrino est un artiste américain né à New York, dont l’œuvre occupe une place singulière dans l’histoire de la peinture contemporaine. Dès les années 1980, il développe une pratique radicale qui associe l’héritage de l’abstraction et du minimalisme à l’énergie des cultures punk, rock et underground.
Il se fait connaître par ses Misshaped Paintings, des peintures monochromes dont il froisse, déforme ou détache les toiles de leurs châssis. Ces interventions physiques transforment le tableau en un objet sculptural et font de la destruction apparente de la peinture une possibilité de renouvellement.
Son travail s’étend également au dessin, à la sculpture, à la photographie, à la vidéo et aux installations sonores. Nourri par la musique expérimentale, les fanzines, les films de série B et la culture populaire américaine, il développe une esthétique où dominent le noir, la violence et la déformation.
Steven Parrino meurt en 2005 dans un accident de moto à Brooklyn, à l’âge de 46 ans. Son œuvre continue d’exercer une influence importante sur les générations suivantes d’artistes.

#stevenparrino #lagaleriedesmultiples #artmultiples #gillesdrouaultgaleriemultiples #artparis #editions #blackflag by @lagaleriedesmultiples

NATHALIE DU PASQUIER

Pour la Collection 100 %, Nathalie Du Pasquier crée "Magnet", un objet impossible fait de volumes géométriques qui semblent à la fois s'emboîter et se contredire. Le noir, le gris et le brun structurent cette masse tandis qu'une surface rose et un pan rouge viennent en perturber l'équilibre. La perspective donne à l'ensemble une apparente profondeur, mais celle-ci se révèle rapidement ambiguë : on ne sait plus exactement ce qui avance, recule, repose ou soutient. Cette oscillation entre objet représenté et construction abstraite, deux et trois dimensions, est au cœur de la peinture de Nathalie Du Pasquier.

Nathalie Du Pasquier est une artiste et designer française. Autodidacte, elle voyage longuement entre 1975 et 1977, notamment en Afrique, expérience qui marquera son vocabulaire visuel. En 1981, elle participe à la fondation de Memphis, le groupe milanais créé autour d'Ettore Sottsass, devenu l'un des mouvements majeurs du design postmoderne. Elle y conçoit des motifs pour textiles, tapis et stratifiés, mais aussi des objets et du mobilier, développant un langage graphique fondé sur la couleur, le motif et la géométrie.
À partir de 1987, elle se consacre principalement à la peinture. Elle travaille longtemps à partir de natures mortes composées dans son atelier, d'abord avec des objets quotidiens puis avec des constructions géométriques en bois qu'elle fabrique elle-même avant de les peindre. Cette recherche l'amène progressivement à déplacer les frontières entre objet et représentation, surface et volume, peinture et sculpture. Depuis les années 2010, son travail s'est davantage orienté vers l'abstraction, tout en conservant comme question centrale les relations entre formes, objets, couleurs et espace.
Magnet, 2016
Pigment print
40 x 60 cm
Collection 100 %

@nathaliedupasquier

#nathaliedupasquier #contemporaryart #lagaleriedesmultiples #gillesdrouaultgaleriemultiples #artedition by @lagaleriedesmultiples

JOHN M ARMLEDER
Outer Circles

Pour la Galerie des Multiples, John M Armleder compose avec Outer Circles une image d'une grande économie formelle : des cercles blancs sur fond or, organisés selon une trame régulière et un jeu de variations d'échelle. L'œuvre joue librement avec plusieurs héritages de l'art moderne et contemporain, notamment le Pop Art, par son efficacité graphique et la séduction spectaculaire du fond doré, et l'Op Art, par la répétition du motif et les effets de vibration et de profondeur produits par les cercles. Le titre, Outer Circles, renforce cette dynamique en attirant le regard vers les bords de l'image, comme si le motif se poursuivait au-delà de son cadre. Entre abstraction géométrique, phénomène optique et plaisir décoratif, l'œuvre est caractéristique de la liberté avec laquelle Armleder réactive et mélange les langages de l'histoire de l'art.

@johnarmleder

#johnarmleder #gillesdrouaultgaleriemultiples #contemporaryart #artedition #lagaleriedesmultiples by @lagaleriedesmultiples

JASON DODGE

"They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon" est une installation conçue comme une exposition. L’œuvre n’est pas seulement constituée des objets qui la composent : elle réside aussi dans leur mise en relation, leur disposition dans l’espace et la possibilité, à chaque présentation, d’en proposer une nouvelle interprétation.

L’installation réunit des éléments de natures très différentes : vingt publicités pour l’aspirine Bayer, une affiche signalant la disparition d’un animal, des fleurs de souci séchées, des piles électriques, des fourchettes, du tissu, des élastiques, ainsi qu’une liste de courses trouvée dans une rue de Berlin. Certains de ces objets et matériaux — éléments domestiques, piles, textiles, fragments issus de la vie quotidienne — appartiennent à un vocabulaire récurrent dans le travail de Jason Dodge.

Soustraits à leur fonction habituelle et rapprochés sans qu’un récit explicite vienne en fixer le sens, ces éléments conservent la trace des usages, des gestes ou des histoires auxquels ils ont été associés. Une simple liste de courses devient le point de départ d’une composition ; des objets ordinaires acquièrent une présence nouvelle ; les fleurs séchées répandues au sol introduisent dans l’espace une matière organique et fragile.

La dimension poétique de l’œuvre naît précisément de ces rapprochements. Jason Dodge ne construit pas un récit : il en crée les conditions. Entre les objets apparaissent des correspondances, des écarts et des associations que chacun est libre de prolonger.

À chaque présentation, Jason Dodge confie l’installation à une personne qu’il choisit — artiste, danseur, poète, critique ou commissaire — qui acquiert localement les produits indiqués sur la liste de courses et dispose librement les différents éléments dans l’espace. L’œuvre possède ainsi une forme définie tout en restant ouverte à ses transformations : elle existe à la fois comme ensemble d’objets, comme protocole et comme exposition, et se renouvelle dans chacune de ses installations.

#jasondodge #contemporaryartwork #gillesdrouaultgaleriemultiples #marigold #thisiswhatartis by @lagaleriedesmultiples

JASON DODGE

Pour la Collection 100 %, Jason Dodge a réalisé une série de pièces uniques : il agrafe directement une prise électrique sur une feuille à dessin. Un objet industriel, banal et immédiatement reconnaissable, se trouve ainsi déplacé de son usage quotidien pour devenir l’œuvre elle-même.
Ce geste s’inscrit dans la continuité du travail de Jason Dodge, qui utilise fréquemment des objets ordinaires et s’intéresse moins à leur transformation qu’aux relations, aux usages et aux histoires dont ils sont porteurs. Ampoules, câbles électriques, tissus, outils ou objets trouvés apparaissent ainsi régulièrement dans ses œuvres.
La prise est un objet de connexion : elle permet de relier un appareil à une source d’énergie et rend possible la circulation du courant. Ici, pourtant, elle n’est reliée à rien. Fixée au papier, elle conserve la possibilité de la connexion tout en étant privée de sa fonction. Entre objet usuel et objet poétique, elle évoque ainsi tout à la fois le lien, la circulation, l’énergie et leur interruption.

Jason Dodge est un artiste américain né en 1969 à Newton, en Pennsylvanie. Diplômé du Maryland Institute College of Art en 1992 puis de la Yale University School of Art en 1996, il développe un travail principalement constitué de sculptures et d’installations.
À partir d’objets et de matériaux souvent ordinaires, Jason Dodge crée des œuvres dans lesquelles le déplacement, l’absence, la mémoire et les histoires attachées aux choses jouent un rôle essentiel. Des gestes très simples ou des transformations minimales suffisent à soustraire les objets à leur usage habituel et à leur donner une nouvelle charge poétique.
Son travail a notamment été présenté à la Biennale de Venise, à la Biennale de Lyon, au MACRO à Rome, au Mudam Luxembourg et au Castello di Rivoli. Il a également fondé en 2012 Fivehundred places, une maison d’édition consacrée à la poésie contemporaine.

#jasondodge #contemporaryart #gillesdrouaultgaleriemultiples #artedition #lagaleriedesmultiples by @lagaleriedesmultiples

ORLAN
À la Biennale de Venise et à La Galerie des Multiples (lagaleriedesmultiples.com)
@ecc_italy
@lagaleriedesmultiples
@madame.de.sainte.orlan

ORLAN est artiste majeure de l’art corporel. Depuis les années 1960, elle fait de son propre corps à la fois un matériau, une image et un lieu de transformation.

Sa pratique ne se limite cependant à aucun médium : performance, photographie, sculpture, vidéo, installations, biotechnologies, réalité augmentée, intelligence artificielle et robotique se succèdent au gré de ses projets. ORLAN utilise notamment les technologies contemporaines pour montrer la manière dont les corps sont construits, représentés et transformés par les modèles sociaux, culturels et scientifiques.

Figure majeure de ce qu’elle a elle-même nommé « l’Art Charnel », ORLAN a présenté son travail dans de très nombreuses institutions internationales. Une importante rétrospective, ORLAN en capitales, lui a notamment été consacrée à la Maison Européenne de la Photographie à Paris en 2017. Elle est Chevalière de l’Ordre des Arts et des Lettres, de l’Ordre national du Mérite et de la Légion d’honneur.

Les photographies pour la Galerie des Multiples

Les trois photographies choisies par ORLAN pour la Galerie des Multiples montrent des fragments de l’ORLANoïde, robot humanoïde créé par l’artiste à son image. Présenté notamment en 2018 dans l’exposition Artistes & Robots au Grand Palais à Paris, ce robot possède le visage d’ORLAN et parle avec sa voix. Doté d’intelligence artificielle, il constitue une sorte de double technologique de l’artiste.
#madamedesaintorlan #orlanoide #artcontemporain #lagaleriedesmultiples #oeuvreoriginalemultiple by @lagaleriedesmultiples

RODOLPHE PROVERBIO

Cette édition de Rodolphe Proverbio pour la Collection 100 % s’inscrit dans la continuité de ses recherches sur l’ Esthétique de l’eau, commencées au milieu des années 1960. L’artiste explore les rapports entre l’eau et la lumière et les transformations de formes qu’ils produisent.

Dès le début des années 1960, il développe un travail photographique expérimental fondé notamment sur le photogramme et sur l’utilisation directe de la lumière. Dans l’obscurité, il manipule différentes sources lumineuses devant le papier photosensible ou devant un appareil maintenu en pose longue, faisant du déplacement de la lumière et du geste les éléments constitutifs de l’image. Ces recherches donnent naissance à ce qu’il désigne comme ses « peintures de lumière ».

Proverbio participe au mouvement français de photographie expérimentale d’après-guerre Libre Expression, aux côtés notamment d’Étienne Bertrand Weill, Jean-Claude Gautrand et Jean Dieuzaide. Son travail des années 1960 s’inscrit dans un contexte où se croisent abstraction géométrique, art non figuratif, art optique et recherches cinétiques. La lumière y est envisagée moins comme un moyen d’éclairer un sujet que comme un matériau permettant de produire directement la forme photographique.

À partir du milieu des années 1960, ses expérimentations s’étendent également à l’eau. Sous le titre « Esthétique de l’eau », il photographie notamment des formes géométriques observées à travers l’eau et utilise les déformations produites par celle-ci pour faire apparaître des formes organiques et mouvantes.

Son œuvre a notamment été présentée en 2016 à Paris par la Galerie Maria Wettergren dans le cadre de PhotoSaintGermain, conjointement avec celle d’Étienne Bertrand Weill. En 2019, elle figure dans l’exposition Le diable au corps. Quand l’Op Art électrise le cinéma au Musée d’Art moderne et d’Art contemporain de Nice.

Rodolphe Proverbio est représenté par la galerie Maria Wettergren.

#rodolpheproverbio #lagaleriedesmultiples #gillesdrouaultgaleriemultiples #artcontemporain #libreexpression by @lagaleriedesmultiples

SERGE ONNEN
Credit Card Cleaners
Collection 100%
100 artistes / 100 œuvres / 100 euros

Né à Paris en 1965, Serge Onnen vit et travaille entre Amsterdam et Bruxelles. Dessinateur, cinéaste, performeur et éditeur, il développe depuis plus de trente ans une œuvre singulière où le dessin quitte la feuille pour investir l’animation, le livre, la vidéo, la performance ou encore l’installation. Formé à la Rijksakademie d’Amsterdam, il a présenté son travail dans de nombreuses institutions internationales, parmi lesquelles le Drawing Center de New York, le Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, le MOCA de Taipei, le Kunsthalle KAdE ou encore le Centre de la gravure de La Louvière.

Le dessin est le cœur de sa pratique.

Pour la Collection 100%, Serge Onnen propose une image où plusieurs mains semblent frotter des cartes bancaires sur une surface plane pour la nettoyer. Avec l’ironie discrète qui caractérise son travail, il transforme un geste absurde en réflexion sur notre rapport à l’argent et... à la consommation.

Born in Paris in 1965, Serge Onnen lives and works between Amsterdam and Brussels. A draftsman, filmmaker, performer and publisher, he has developed over the past three decades a singular body of work in which drawing extends beyond the sheet of paper into animation, artists’ books, video, performance and installation. A graduate of the Rijksakademie in Amsterdam, he has exhibited widely in international institutions, including The Drawing Center in New York, Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, MOCA Taipei, Kunsthalle KAdE and the Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée in La Louvière.
For the 100% Collection, Serge Onnen presents an image in which several hands appear to be scrubbing credit cards across a flat surface as if cleaning it. With the understated irony that characterizes his work, he transforms an absurd gesture into a reflection on our relationship with money, consumption and… the rituals that surround them.

#sergeonnen #lagaleriedesmultiples #artcontemporain #contemporaryartwork #collection100pour100 by @lagaleriedesmultiples

ELSA WERTH
To Do List

Née en 1985 à Paris, où elle vit et travaille, Elsa Werth est diplômée de l'École nationale supérieure des Arts décoratifs puis de l'École des Beaux-Arts de Paris. Lauréate du Prix de la Fondation Pernod Ricard en 2022, elle développe une œuvre qui observe les formes discrètes par lesquelles notre quotidien est organisé : documents administratifs, objets usuels, signalétique, langage ou protocoles. Ses installations, sculptures, éditions et vidéos déplacent ces éléments familiers avec une précision minimale, révélant les mécanismes invisibles qui régissent nos habitudes et nos comportements. Son travail est aujourd'hui présent dans plusieurs collections publiques françaises, notamment celles du Centre Pompidou, du Cnap et de plusieurs Frac.

@elsa.werth

#collection100pour100 #lagaleriedesmultiples #artcontemporain #accessibilitedelart #artparis by @lagaleriedesmultiples

NINA CHILDRESS
Karen Concert

Figure majeure de la peinture
contemporaine française, récemment élue à l’Académie des beaux-arts,
Nina Childress déploie depuis plusieurs décennies une œuvre embrassant
culture populaire, histoire de l’art et références aux médias. Dans ses
peintures à la virtuosité tout à la fois assumée et malmenée, se
côtoient glamour, humour et étrangeté.

Pour la Collection 100 %, Nina Childress a saisi, lors d’un de ses concerts,
Karen Carpenter, chanteuse et batteuse mythique de la scène pop
américaine, qui créa avec son frère Richard le groupe The Carpenters.

Karen Concert, une sérigraphie originale de 100 exemplaires, tous signés et numérotés.

#ninachildress #collection100pour100 #lagaleriedesmultiples #artcontemporain #parisart by @lagaleriedesmultiples

La Collection 100 % est née de l’ambition un peu folle, mais stimulante, de réunir en un objet l'ensemble des exigences qui ont guidé La Galerie des Multiples depuis plus de 20 ans.

La première de ces exigences est la volonté de participer à l’accessibilité de l’art contemporain, par l'édition et la diffusion d'œuvres originales multiples.

En tant qu’éditeur, je suis particulièrement fier de cette collection. Elle existe grâce à la complicité de cent artistes qui ont accepté de participer à cette idée.

Cette collection démontre qu’une œuvre peut être accessible sans être mineure, qu’un prix peut être volontairement bas sans diminuer l’exigence artistique, et qu’une collection peut réunir, dans un même ensemble, des œuvres très différentes autour d’un principe commun.

Nous savions que nous nous lancions dans un projet de longue haleine quand nous avons commencé la première impression de la première édition de la Collection 100 %.

Nous pensions que nous mettrions dix ans pour la réaliser, soit dix éditions par an. Finalement, nous avons mis un peu plus de temps, puisque les derniers projets ont été faits en 2026.

Treize ans qui témoignent de la fidélité de la galerie à ses ambitions premières, notamment celle de participer à l’accessibilité de l’art sans le vulgariser.

Finalement, l'ambition de la Collection 100 % aura directement fait écho à celle de La Galerie des Multiples : avoir construit, hors de l'urgence et de l'immédiateté, un espace de création rigoureux, accessible à tous.

#lagaleriedesmultiples #artcontemporain #art #accessibilité #contemporaryartists by @lagaleriedesmultiples

Depuis plusieurs années, nombre de galeries parlent de se « re-inventer ».
Concept séduisant mais qui échappe à la précision, c’est peut-être d’ailleurs son principal attrait que de ne pouvoir être précisément défini.
Cette volonté de se réinventer, qui s’impose comme une nécessité, est une autre façon de dire que le monde de l’art a changé.

La Galerie des Multiples n’échappe ni à l’une (l’idée de se réinventer), ni à l’autre (le changement du monde de l’art).

En 2005, La Galerie des Multiples s’installait 17 rue Saint-Gilles. Elle y est restée pendant 20 ans !
Je voulais que ces 20 ans ne soient pas l’occasion d’un anniversaire qui viendrait fêter la pertinence d’un projet validé par sa longévité (20 ans, pour une galerie, c’est une vie).
Je voulais prendre aux mots la fameuse re-invention et que ces 20 ans soient l’occasion de repenser La Galerie des Multiples.

La repenser, c’est a dire redéfinir son mode de production et l’ambition de ses éditions ; multiplier les partenariats afin d’inventer de nouvelles formes de diffusion ; reconsidérer — tâche capitale — les notions mêmes d’art contemporain et d’accessibilité, avec les artistes, les collectionneurs et les critiques.
Cette refondation de La Galerie des Multiples apparaîtra au fil du temps de sa nouvelle vie.

Première décision, la plus visible : changer de lieu. Une réinvention, à mes yeux, passait nécessairement par un nouveau lieu. Un nouvel espace pensé différemment, avec de nouvelles attentes, et un nouvel accueil.
Dans les mois qui viennent, nous serons en mesure d’inaugurer un nouveau lieu qui témoignera de nos nouvelles ambitions.

En attendant, le travail de La Galerie des Multiples se poursuit.
Avec, comme tout prochain chapitre, la présentation de la Collection 100 %, désormais complète : 100 artistes réunis autour d’une même idée.

#reinvention #lagaleriedesmultiples #artcontemporain #accessibilité #ninasimone by @lagaleriedesmultiples