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Festival Abya Yala Nagô

@abyayalanago

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Festival Abya Yala Nagô 🌿🎥
Cinema Negro e Índigena ✊🏼✊🏽✊🏾✊🏿
1ª Edição ✨
De 30/05 a 01/06 🗓️
CCSP - Circuito SPCine 🍿

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🎬✨ O Festival Abya Yala Nagô agora está online!

Parte da programação de filmes exibida agora está disponível gratuitamente na UBUPLAY! 🌍📽️

Essa é a sua chance de mergulhar em histórias potentes, narrativas ancestrais e olhares diversos que celebram a força do cinema indígena e negro.

🗓️ Disponível só até o dia 8 de junho, então corre lá no https://www.ubuplay.com/ ou acesse direto pelo link na bio! taken in Brasil by @abyayalanago

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a year ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Vacas Brancas Preguiçosas”, de Asaph Luccas, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô fe Cinema Negro e Indígena.

Você está numa sala virtual, uma sala de aula, o áudio vaza, você está falando mal da vaca branca preguiçosa que divide a classe contigo.

A partir desse deslizamento, banal e brutal, nasce a espiral narrativa do filme. Uma jovem estudante negra, irônica, comete um deslize num ambiente online — e rapidamente se vê engolida por uma saga virtual para tentar escapar do cancelamento. A protagonista é pega pra cristo, e agora que Deus morreu e só reside na nuvem virtual, cada um escolhe seu mártir.

Com uma montagem frenética, o filme recria a lógica visual das redes: cortes rápidos, sobreposições, caixas de mensagem que pulam como vozes na cabeça, timelines em forma de fluxo de consciência. O dinamismo na montagem torna a linguagem fresca, de captação
momentânea, o riso fácil — mas nunca vazio. A leveza não impede o peso das questões que atravessam a trama: raça, poder, culpa, julgamento público e performatividade moral.

Os memes estão por toda parte. A estética memética não é um acessório: é a própria estrutura do pensamento da protagonista. Não apenas o filme fala sobre a internet — ele fala como a internet. E é justamente nesse território ambíguo entre ironia e exposição que os amigos entram em cena. Juntam-se para salvar a amiga, cada qual com seu método, sua loucura, sua persona de rede. Utilizam metodologias autorreferenciais, talvez arbitrárias — mas afinal, quem não é?

É nesse multiverso de realidade social e virtual que o filme se ancora. Lida com a ironia de situações corriqueiras que se tornam cruciais em ambientes digitais, onde um erro vira manchete, um comentário se transforma em hashtag, e a reputação é moeda volátil.

Durante a sessão, a identificação era geral: risos cúmplices, murmúrios de quem já viu, viveu ou viralizou. O público reconhece ali não apenas as referências, mas os mecanismos: os hiper estímulos cibernéticos que tornam tudo rápido, público e potencialmente destrutivo.

Continua nos comentários ⬇️ by @abyayalanago

13

1

6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Minha câmera é minha flecha”, de Natalia Tupi, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

Richard Wera Mirim é comunicador Guarani Mbya da Terra Indígena Jaraguá, um território que resiste entre concreto e rodovia. Em seu filme, a câmera se transforma em flecha: uma ferramenta que mira com precisão a urgência de existir, de narrar, de permanecer. O audiovisual é seu arco — com ele, Richard registra o tempo, protege a memória e lança imagens como atos de luta.

Em Minha Câmera, Minha Flecha, o disparo não é alegoria: é gesto real. A fotografia não busca ornamento — ela afirma uma posição. Os planos são diretos, conscientes de sua função: registrar e, ao mesmo tempo, resistir. Nas cenas de protesto, o corpo da câmera pulsa junto aos corpos em luta. Ela caminha com os manifestantes, escuta seus cantos, acompanha os gritos, as bombas, treme com a tensão. Esses momentos — em que o povo do Jaraguá ocupa avenidas, segura faixas, enfrenta o esquecimento institucional — são capturados com um olhar que não se coloca de fora. Ao contrário: a lente aqui é extensão da presença indígena.

O preto da noite nas retomadas. O vermelho das faixas com palavras riscadas à mão. O cinza dos uniformes da polícia. A paleta do filme é a da aldeia, da própria luta, e sua força está em como a direção da fotografia reconhece isso e se curva à verdade do momento. Richard é sujeito da imagem.

O território do Jaraguá não está garantido — ele é ameaçado, contestado, reduzido. A imagem, então, se torna linha de frente. Cada fotografia é uma prova de existência, cada vídeo postado, um gesto de defesa. A câmera, ao virar flecha, devolve ao povo o poder de narrar-se, sem mediação colonizadora. A fotografia é a linguagem. A câmera, o dispositivo. Ou a flecha. O
disparo certeiro. by @abyayalanago

11

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6 months ago

Crítica de Noa Mancini sobre o filme “FUJI”, de Kaue Andre, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

Henrique e Yasmin são jovens cineastas da periferia que alimentam o desejo de realizar seu próprio curta-metragem. Quando Yasmin consegue um trabalho na produção de um videoclipe, surge uma possibilidade concreta: em troca do serviço prestado, ela poderá utilizar os equipamentos da filmagem para seu próprio projeto. Assim, o que era sonho começa a tangenciar a realidade — ainda que em meio a negociações, tensões e limites muito explícitos.

O começo do filme vem em um storyboard fotográfico, fotodrama encenado, na introdução dos personagens como pretendidas pelos narradores da hipotética cena, elaboradores, protagonistas do filme. Há uma consciência formal aguda: a escolha pelo storyboard fotográfico não é apenas estilística, é já uma espécie de comentário. A encenação dessa camada inicial evidencia o jogo de forças em que corpos periféricos entram ao tentar narrar suas próprias histórias.

A metalinguagem que atravessa o filme não se esgota como recurso esperto, mas se transforma em uma ferramenta de fricção entre desejo e realidade. Ao seguirmos Henrique e Yasmin, acompanhamos também o constante descompasso entre o que se sonha filmar e o
que se consegue realizar. A imagem que se quer fazer e a imagem que se consegue capturar. E nessa fissura, entre a projeção e a limitação, nasce a pulsação do filme.

As cadeias extrativistas do audiovisual não são apenas citadas. A desigualdade técnica, a lógica dos favores, os silêncios incômodos, tudo comparece como matéria estética. E não por acaso, as contradições não se limitam ao campo narrativo. Elas invadem a própria tessitura do
filme, que ora flerta com a ironia, ora com a denúncia, ora com uma ternura inesperada. Há humor na precariedade, mas também uma melancolia funda diante das portas que se fecham. A amizade entre os protagonistas, além de alívio, é sustentação.

Continua nos comentários ⬇️ by @abyayalanago

13

1

6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Erguida”, de Jhonnã Bao, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

“Erguida” acompanha a trajetória de uma jovem poeta da periferia de São Paulo que, após vivenciar uma crise, encontra força para reafirmar a própria voz. O cotidiano dessa família preta é perpassado por inúmeras agruras e vitórias. Todo dia é uma luta, mas toda conquista merece
ser compartilhada. Nem tudo são flores, na verdade, há muito menos flores.

A narrativa ficcional se dá pelas escolhas formais para contar a história. A irmã que passou em medicina para a universidade. Uma mãe preta solo criando duas filhas. E a personagem principal, uma garota trans enfrentando os corres diários. Vai comprar um vestido, as atendentes da loja não querem nem atendê-la, muito menos vender o vestido para ela. O bofinho que ela estava pegando não é capaz de assumi-la publicamente, muito menos comparecer numa comemoração familiar. Tudo está indo num dia daqueles, no pior dos mundos. Mas nem tudo é sobre isso.

O que está em jogo aqui não é apenas o registro de uma realidade — é a construção de uma forma, no gesto cinematográfico que se ergue a partir da vivência. A diretora, que também é intérprete e corpo em cena, dilui as fronteiras entre quem filma e quem vive. Ela constrói o
próprio conteúdo da obra: uma poética da resistência cotidiana. Ela dirige e representa, dá o nome.

A dramaturgia, mesmo enraizada no real, não abdica do lirismo. Cada ausência — do afeto romântico, do reconhecimento social — pesa tanto quanto cada presença: o abraço da irmã, o café preparado pela mãe, o olhar da personagem quando finalmente dá sua letra na roda de rap. E é nesse intervalo entre ausência e presença que o filme floresce.

O filme não entrega uma redenção, mas um enfrentamento. O expurgo final — de início um pouco tímido, sobretudo depois performático, carregado de pulsão — opera como catarse e denúncia. Uma presença que desafia o apagamento. E é aí que reside sua beleza mais profunda: na recusa de desaparecer, no deleite de se erguer. by @abyayalanago

8

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6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Engole o choro”, de Fabio Rodrigo, exibido em 2025 no Festival Abya Yala Nagô.

Era uma vez, na borda da cidade, um menino de 17 anos que roubou uma moto. Mas o que ele não sabia — e nunca lhe ensinaram — é que o caminho mais longo de todos não era fugir da polícia, e sim atravessar a si mesmo.

Crescer nas margens é como tentar dançar numa corda bamba: escolhas de sobrevivência são servidas frias, sem molho nem opções. Uma briga no bairro, uma cabeça não abaixada, uma moto sem licença. B.O na delegacia.

O filme, dirigido por Fábio Rodrigo é fruto de uma longa escuta sobre a masculinidade preta e periférica, plantada desde 2017. Da pesquisa ao roteiro, da memória ao gesto, tudo carrega o peso do que foi herdado e do que nunca se teve. O diretor — que também não conheceu o pai — também se pergunta muitas coisas.

Essas perguntas viram filme. Anderson (interpretado com contenção feroz por Oda Silva) carrega nas costas o drama de muitos, um menino forjado na urgência de virar homem, sem saber o que isso de fato significa. O pai (Renato Novaes), ausente por uma vida, reaparece só
quando a sirene já tocou. E mesmo assim, nem o tempo, nem a dor, conseguiram traduzir o afeto. Assuntos mal resolvidos, conflitos do passado ressurgem em mágoas. Jeitos e jeitos de se tentar resolver as linhas pregressas perdidas. Voltemos uma casa, ainda há pontas soltas.

A caixa de 3:4 — a escolha estética da fotografia — é a lente onde tudo está apertado, rente. É o olhar de quem cresceu vendo pouco e sendo pouco visto.

No final, o pai tenta um gesto de reconciliação: um abraço. E Anderson permanece feito pedra. Sentimentos não externalizados, falta de diálogo. O afeto não encontra lugar fácil. Mas há rachadura. O calor do corpo do outro começa a desarmar o frio que cresceu como couraça. O elenco sustenta horrores o drama das incompreensões sentimentais. Cada olhar, cada hesitação, cada palavra engolida é carregada com o peso de gerações que foram ensinadas a não chorar. “Homem não chora, engole o choro”.

E então o filme se encerra como um suspiro preso que finalmente escapa. A história carrega o som abafado de quem um dia quis dizer: eu sinto. by @abyayalanago

10

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6 months ago

Crítica escrita por Noah Mancini sobre o filme “Expresso Parador”, de JV Santos, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

Lidiane é atriz. Negra e está em movimento. Mais uma manhã no Rio de Janeiro, cidade-caleidoscópio que treme sob a onda torta do que chamam de sistema de transporte
público. Lidiane carrega no corpo os papéis do dia: um teste para novela, um bico de teatro infantil num shopping, a estreia de sua peça no outro extremo da cidade. E a cada novo destino do dia seguinte, um relógio que se despedaça no compasso do atraso.

Dentro do ônibus, Lidiane encontra Cyda Moreno: atriz consagrada, vivendo ela mesma, cruzando a cidade como qualquer outra trabalhadora. E esse encontro, entre duas mulheres negras, atrizes de tempos diferentes, aciona uma fenda na realidade: passado, presente e futuro começam a embaralhar seus roteiros. Quem sonha? Quem ainda pode?

O tempo não é igual para todos. E no caso da população preta e pobre, o tempo não apenas se perde, ele se rouba. Dias inteiros dentro de ônibus, horas de atraso que não são apenas inconvenientes, mas violências. No entanto, o filme não se entrega à desesperança. Entre uma
parada e outra há beleza. Você já pensou na vida dentro do ônibus? Já se pegou imaginando outro roteiro enquanto o trânsito estaciona?

O filme parte do humor e chega no absurdo: Lidiane, sempre atrasada, decide morar no ônibus. Literalmente. Sua nova residência é o próprio veículo que antes lhe negava o tempo. Com direito a laje, sofá, visitas e até entrevista para canal de entretenimento dentro do coletivo. Ao construir todo o filme dentro desse veículo em trânsito — e, às vezes, fazer dele algo que não é — Expresso Parador acontece quando o tempo da cidade não cabe no tempo dos sonhos. É sobre como o ônibus vira labirinto, vagão, sala de espera, palco, confessionário e casa, transformando esse espaço cotidiano, e tantas vezes invisível, em território de imaginação política e fabulação poética. Aqui o riso não anula a crítica, mas amplia: porque o transporte que antes a impedia de chegar se transforma agora em lugar de permanência — sem pressa, sem atraso. by @abyayalanago

5

0

6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “No Início do Mundo”, de Gabriel Marcos, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

Começa com um canto. Uma música dentro do ônibus, onde passageiros também cantam. A canção emerge como respiração. No Início do Mundo é um musical que nasce do coração da periferia. Por que não um musical aqui?

Vitor e Katlyn são dois jovens como tantos outros. Cresceram em ruas de concreto onde os sonhos custam caro, e a realidade, muitas vezes, impõe um preço antes do tempo. Se conhecem no ônibus, se tornam vizinhos, se estranham e depois se escutam, e isso, só isso, já
os aproxima. Dividem silêncios e batidas. Juntos, compõem uma música, num refúgio, inventário do afeto. No fundo, eles se perguntam se vivem no fim do mundo. E Katlyn responde: talvez seja aqui o começo.

Há uma mãe evangélica que controla, uma paixão secreta por outra menina, uma religiosidade que aprisiona ao mesmo tempo em que deseja salvar. O filme não nega a complexidade: a fé que acolhe é a mesma que oprime. A juventude retratada aqui amadurece cedo, conta moedas.
E mesmo assim, dança e sonha.

A estética do filme é híbrida: começa com energia videoclipesca, transita por cenas de realismo, chega no musical como quem retorna à origem. E no fim fica a sensação de que o cinema pode sim cantar do centro da margem. No Início do Mundo é essa curva, que morar
longe do centro não significa estar longe de si. Que cantar, quando tudo parece impossível e sem saída, ainda é um gesto de inconformidade - e afeto. by @abyayalanago

16

2

6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Bença”, de Mano Cappu, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro e Indígena.

Um presídio. Três ou mais homens dividem a sobrevivência. Um rádio rouco solta Tim Maia pelas grades. Do lado de fora, o sol é o mesmo que lá dentro, mas os tempos são outros. Lá, o tempo é contado em esperas.

Hoje é dia de visita. E na cadeia, dia de visita é sagrado.

Antônio acorda com o peito inquieto. É dia de ver Vera. Mas ao atravessar o corredor em direção ao pátio seus passos pesam. De uma cela sai Rodrigo. Rodrigo, o filho. Rodrigo, o agora também preso. Pai e filho se reencontram. Rodrigo, que repete a história do pai — ou
será que a antecede?

Em outro canto, na espera, um bolo. Coberto com a bandeira do Brasil em glacê — essa imagem em festa torta. A pátria também prende e também canta. Lá fora, no portão, as avós chegam com as crianças. As mulheres equilibram sacolas, afetos e documentos. Carregam firme o ritual da espera, sabem que o encontro é breve e vale por semanas.

O reencontro de pai e filho, dentro dos muros, não tem catarse. Tem susto, constrangimento e o silêncio de momentos, mas de uma vida. O drama se tece na rotina invisível: no bolo repartido cuidadosamente, na fila formada, na visita autorizada, no abraço que não vem. by @abyayalanago

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3

6 months ago

Crítica de Noah Mancini sobre o filme “Da sua, Maria”, de Magna Domingues, exibido na 1ª Edição do Festival Abya Yala Nagô de Cinema Negro.

Há dores que não têm nome. E entre elas, talvez a mais insuportável seja a de enterrar um futuro. Da Sua, Maria é um acalento. Não no sentido de suavizar o que não pode ser suavizado, mas no gesto cuidadoso de olhar de frente para a ausência. Uma carta de amor às
mães que vivem com saudades. Uma história ficcional mas que se ancora em milhares de histórias reais, todas marcadas pela mesma cicatriz.

O filme começa com esperança. Um casal preto, jovem, se prepara para receber o primeiro filho. Ela está grávida, há um brilho contido no olhar de ambos, como quem caminha no limite entre medo e alegria. A doula chega, os prepara, e juntos seguem para o hospital. O nascimento se aproxima, e com ele, o futuro parece tomar forma.

Mas o filme não se organiza por certezas. Num corte quase imperceptível, o tempo salta — e o bebê se foi. A dor agora habita os silêncios. Daí em diante, tudo é presença ausente. O corpo da mãe caminha, respira, sorri, mas carrega o peso invisível do que não se completou. Em
referência a Iemanjá, a vemos na praia, de camisola azul, entrando no mar, submersa. Quando retorna, deitada na areia, vislumbra uma família ao longe, de mãos dadas: reflexo do que poderia ter sido.

No mercado, a atendente pergunta: “Como está sua filha?” e a pergunta perfura. Há uma ternura cruel no desconhecimento alheio. Em outro momento, no parque, ela conversa com uma menina que também perdeu um irmão. A conversa é leve, quase brincadeira. E ainda
assim, ali se revela um pacto silencioso entre dois enlutados pequenos: a partilha da ausência.

Continua nos comentários ⬇️ by @abyayalanago

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3

6 months ago

🎬 Você tem um projeto de cinema na gaveta e acha que edital é um bicho de sete cabeças?

Chegou a hora de DESCOMPLICAR! ✨

Convidamos você para a ação formativa DESCOMPLICA CINE, um encontro online e gratuito para tirar todas as suas dúvidas sobre os principais editais de audiovisual!

Na atividade, vamos destrinchar os editais que podem impulsionar seu curta-metragem, como:
✅ VAI
✅ Editais SPCINE
✅ ProAC

O que você vai aprender:
🔸 Como interpretar o “juridiquês” dos editais.
🔸 Dicas práticas para formatar seu projeto.
🔸 Orientações para uma inscrição mais segura e competitiva.
🔸 Esclarecimento de regras e processos.

Não deixe que a burocracia seja uma barreira para a sua criatividade! Esta é a sua chance de aprender com quem tem estrada.

QUEM VAI CONDUZIR?
A formação será ministrada por Icá Iuori, produtore do Festival Abya Yala Nagô, membro da Madrugada Filmes, produtora de cinema com 6 anos de experiência e diversos projetos aprovados em editais públicos.

ANOTA NA AGENDA!
📅 Data: 09/10 (Quinta-feira)
⏰ Horário: 19h
📍 Local: Online via Google Meet
(O link de acesso será enviado por e-mail após a sua inscrição)

Link para inscrição na bio! ➡️

Não perca esta oportunidade de dar o próximo passo na sua carreira audiovisual. Contamos com a sua presença! by @abyayalanago

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a year ago

🎬 SESSÃO EXTRA! 🎬

Festival Abya Yala Nagô
📅 04 de Outubro | 🕔 17h
📍 Circuito Spcine Tiradentes
( Centro de Formação Cultural Cidade Tiradentes - R. Inácio Monteiro, 6900 )

Entrada Gratuita! taken in Centro de Formação Cultural Cidade Tiradentes by @abyayalanago

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a year ago