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Salanullius

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Una stanza da riempire con cinema, letteratura, musica, arte e molto altro.
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“Gli altri nomi del nostro addio”, il cortometraggio di Andrea Defronzo, liberamente ispirato al romanzo “Il sapore di armellina” di Oriano Campini, affronta il tema dell’emigrazione italiana attraverso il ricordo di un’amicizia infantile interrotta da una partenza. Presentato all’83ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, dove ha ottenuto il Premio Bookciak Azione! 2026 nell’ambito delle Giornate degli Autori, la breve storia segue una ragazza di nome Rita, che ricorda l’ultimo momento trascorso nel proprio paese prima di emigrare. Mentre sta lasciando la sua terra a bordo di una corriera, il suo piccolo migliore amico Davide corre disperatamente dietro al mezzo, tentando di raggiungerla e impedire che si allontani.

Andrea Defronzo costruisce un’immagine semplice, ma profondamente dolorosa, che rappresenta la fine improvvisa di un rapporto affettivo e il momento in cui due bambini si trovano costretti a confrontarsi con una separazione che non hanno scelto. Il romanzo originale racconta la vicenda principalmente attraverso gli occhi del bambino, mentre il cortometraggio introduce la prospettiva di Rita ormai adulta, che ricorda l’episodio della propria partenza. Il titolo quindi può essere interpretato come una riflessione sulla pluralità delle esperienze che si nascondono dietro una separazione. Un breve cortometraggio poetico e denso di riflessioni ancora oggi attuali, che restituisce inoltre una dimensione spesso trascurata della storia migratoria, quella delle relazioni interrotte, delle amicizie perdute e dei legami che sopravvivono soltanto attraverso il ricordo. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#venezia83 #shortfilm #shortmovie #migrazione #biennalevenezia by @salanullius

“Clayface” di James Watkins, basato sull’omonimo personaggio di DC Comics, segue l’attore Matt Hagen che, subito dopo aver ottenuto una candidatura agli Oscar, viene sfigurato dal boss criminale Markos Szabo, il quale riesce ad evitare il processo corrompendo tutta Gotham City. Emarginato e in difficoltà economiche, Matt si sottopone ad una terapia sperimentale, sviluppata dalla dottoressa Caitlyn Corr, che gli conferisce la capacità di rigenerarsi e modificare le proprie sembianze. Il film analizza il rapporto tra identità personale e apparenza fisica. Il regista critica un sistema che celebra le persone quando sono dei desiderabili produttori di profitti e le considera sacrificabili quando diventano improduttive.

La sfigurazione del protagonista richiama soprattutto l’ossessione contemporanea per la bellezza e la necessità di conformarsi a determinati modelli estetici. La trasformazione di Matt mostra anche come il desiderio di riappropriarsi della propria immagine possa diventare un’ossessione distruttiva, soprattutto quando l’identità individuale dipende quasi interamente dallo sguardo altrui. La capacità di cambiare volto, inizialmente percepita come un vantaggio, si trasforma in una condanna. Allo stesso modo in cui avveniva con la recitazione, Matt può assumere qualsiasi aspetto, però proprio questa possibilità finisce per svuotare il significato della sua identità.

Tuttavia, i principali limiti del prodotto cinematografico risiedono nella superficialità con cui vengono sviluppati alcuni personaggi secondari, soprattutto quelli legati alla criminalità organizzata. Markos Szabo appare come una caricatura del gangster, la cui caratterizzazione si esaurisce quasi interamente nell’esercizio della brutalità. La sceneggiatura non approfondisce le motivazioni e le dinamiche di potere che potrebbero renderlo credibile, affidandosi a comportamenti stereotipati che non bastano a renderlo interessante o spaventoso. Un body horror decisamente interessante, ma niente di eccezionale, al contrario di quello che fanno pensare la maggior parte delle critiche. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#clayface #clayfacemovie #clayfacemask #dcuniverse #dcextendeduniverse by @salanullius

“Derico 1938” di Alex Lucchesi, disponibile gratuitamente sulla piattaforma streaming CiakMate, si svolge negli anni Trenta e segue Frank Derek, detto Derico, un indagatore dell’occulto impegnato a risolvere un mistero che lo conduce attraverso la dimensione dell’incubo, fino a giungere alla più terrificante realtà. Il film viene presentato come un racconto nel quale la realtà e il soprannaturale convivono, mentre alcuni personaggi grotteschi guidano lo spettatore in un universo difficile da comprendere secondo una logica esclusivamente razionale. Liberamente ispirato al personaggio di Virgilio ne “La Divina Commedia”, Derico rappresenta una guida attraverso un mondo nel quale la comprensione degli eventi richiede di superare le apparenze.

Alex Lucchesi conserva un’impostazione narrativa da noir, ma che presenta anche componenti fantasy e horror. Sebbene la sceneggiatura e alcune recitazioni siano difettose, l’ottima regia di Lucchesi, le scenografie di Alberto Marconcini e la straordinaria fotografia di Camilla Daldoss, Alessio Cherubini ed Emanuele Ricci costruiscono un buon prodotto cinematografico sul piano tecnico. Il poco budget non incide in alcun modo sulla messa in scena, che unisce scene visivamente affascinanti ad un’animazione interessante. Quindi, nonostante i suoi evidenti difetti, questo lungometraggio indipendente contiene qualche momento di cinema di buon livello. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#cinemaindependente #cinemaitaliano #noirfilm #indiemovie #youtubemovies by @salanullius

Le manifestazioni che attraversano le nostre strade sono l’ultimo grido di un popolo che non regge più i colpi di un sistema che lo calpesta. In questo articolo vogliamo ricordare un fatto storico per comprendere quanto i diritti di cui vantiamo oggi non ci sono stati regalati ma conquistati con atti coraggiosi e davvero, davvero, poco gentili.

Siamo nel mezzo dei movimenti del 1968. Anche allora la Francia era tra i paesi più agitati e, sulla scia dei movimenti studenteschi parigini, il maestro della Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard guidò la rivolta al Festival di Cannes insieme a François Truffaut, occupando le sale per spezzare la morsa di un potere politico oppressivo. Il governo gaullista usava la censura di Stato per tagliare le opere scomode e toglieva i fondi pubblici a chiunque provasse a criticare il sistema. L’apice arrivò quando il ministro della Cultura cacciò Henri Langlois dalla Cinémathèque Française, pretendendo di mettere la cultura sotto il controllo diretto del governo e dei politici al potere. Di fronte a questo abuso, mentre nelle strade la polizia manganellava gli studenti, Godard reagì interrompendo le proiezioni e arrivando ad appendersi ai tendoni del teatro. L’ideale della protesta convinse anche i giurati: personalità come Monica Vitti e Roman Polanski decisero di dimettersi spontaneamente in segno di solidarietà per sostenere la causa, facendo crollare la giuria e costringendo il festival a chiudere i battenti.

Oggi quella stessa rabbia brucia nelle piazze. I camionisti, gli agricoltori, gli studenti e tutti coloro che stanno lottando per garantirci un futuro migliore hanno bisogno di tutto il nostro appoggio. La storia, purtroppo, non si fa con i “per favore”.

Non bisogna indignarsi per qualche vetrina rotta, ma per le violenze e le ingiustizie sistematiche che la popolazione subisce ogni singolo giorno. Personalmente trovo incoerente idolatrare questi artisti senza sapere che le loro opere sono state frutto anche di questa rabbia. Prendiamo esempio e arrabbiamoci, facciamo vedere che il popolo sa reagire.

✍🏼 @simoprestipino

🖋️ @stefazito @simoprestipino

#proteste #godard #protesteitalia #autotrasporti #autotrasportatori by @salanullius

“Je so’ pazzo” di Nicola Prosatore racconta l’infanzia difficile di Pino Daniele, il rapporto conflittuale con il padre, la scoperta della musica e la ricerca della propria identità artistica, soffermandosi anche sui suoi affetti e sul legame con Napoli. Il film vorrebbe essere un romanzo di formazione musicale, incentrato sulla nascita di una voce artistica e sul percorso necessario per trovare il proprio posto nel mondo. Tuttavia, il regista introduce numerosi elementi biografici senza concedere loro lo spazio necessario per svilupparli.

Il rapporto con il padre, la differenza di classe fra Pino e la famiglia della moglie Dorina, il ruolo delle zie e il legame conflittuale con Napoli sono temi potenzialmente importanti, ma vengono affrontati in modo troppo rapido e superficiale. La sceneggiatura preferisce la successione di momenti significativi alla costruzione di conflitti che possano evolversi, producendo una struttura narrativa episodica che finisce per non lasciare niente a chi guarda. Il biopic appare più come un’interrogazione di storia delle medie, in cui vengono elencate le cose più importanti come episodi in una timeline, ma senza capirle davvero e togliendo loro l’anima.

Le canzoni vengono inserite nella narrazione senza alcun significato o processo creativo. La sequenza di “Je So’ Pazzo” è decisamente ridicola, dato che Pino Daniele viene ridotto ad una caricatura, finendo per sembrare una parodia di un videoclip musicale di bassissimo livello. Nicola Prosatore costruisce un prodotto preconfezionato, sostenuto da quattro inquadrature azzeccate, due scene di repertorio e una straordinaria colonna sonora che collega l’accozzaglia di episodi «attaccati con lo sputo» e incapaci di suscitare emozioni autentiche. Pino Daniele, uno degli artisti italiani più politici di sempre, viene addomesticato e ammorbidito da una narrazione che non riesce a trasmetterne le sfumature sociali. Le canzoni politiche, come “Na tazzulella ‘e café”, vengono totalmente anestetizzate e rese apolitiche, eliminando una parte fondamentale dell’artista. Visione non consigliata.

✍🏻 @stefazito

#pinodaniele #jesopazzo #biopic #moviereview #musicanapoletana by @salanullius

“Breath: a Half-Life Story”, il cortometraggio di fantascienza animato in computer grafica, scritto e diretto da Alessandro Rindolli e disponibile gratuitamente nella piattaforma streaming CiakMate, si svolge nell’universo videoludico di Half-Life 2, creato da Valve. Presentato alla 79ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, il racconto è ambientato in un mondo dominato dai Combine, una forza aliena e autoritaria che ha conquistato la Terra. Il protagonista è un soldato del regime, identificato come un’unità senza nome. Il suo percorso diventa un viaggio di scoperta e redenzione, nel quale la possibilità di recuperare la propria umanità si scontra con un sistema che impone obbedienza e pensiero collettivo. Il passato del protagonista assume un ruolo decisivo nel determinare il suo futuro e, potenzialmente, quello del mondo.

Alessandro Rindolli esplora così il rapporto tra individuo e potere autoritario. Il sistema autoritario considera pericolosa l’autonomia del singolo, in particolare quando questa entra in contrasto con gli obiettivi del potere. Il soldato viene inizialmente definito dalla sua funzione all’interno del regime, anziché dalla propria storia personale. La sua trasformazione consiste nel tentativo di recuperare ciò che questa funzione ha cancellato. Il «respiro» del titolo richiama quindi la possibilità di ritrovare una dimensione personale e piena di vita all’interno di un mondo oppressivo come quello contemporaneo. Portando il controllo sociale alle sue conseguenze estreme, il regista permette di riflettere sulla sorveglianza, sulla repressione, sulla subordinazione degli individui e sulla possibilità di resistere al controllo del potere. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#ciakmate #fantascienza #fantascienzaitaliana #sciencefictionmovies #indieshortfilm by @salanullius

“Primetime” di Lance Oppenheim racconta la vita del conduttore televisivo e giornalista statunitense Chris Hansen, interpretato straordinariamente da Robert Pattinson, il quale è diventato celebre per le sue inchieste sui predatori sessuali online nel programma “To Catch a Predator” della NBC. Il film indaga il modo in cui l’indignazione morale può trasformarsi in uno spettacolo televisivo e come il successo di una trasmissione finisca inevitabilmente per condizionare le persone che lavorano al suo interno. Il regista affronta il capitalismo mediatico, la spettacolarizzazione della giustizia, la sfrenata ambizione professionale capitalista e le conseguenze umane della ricerca ossessiva degli ascolti.

Il programma nasce con l’obiettivo dichiarato di smascherare uomini sospettati di cercare rapporti con minorenni, ma il suo successo dipende anche dalla capacità di trasformare le loro umiliazioni in momenti televisivi avvincenti per le persone a casa. Il giornalista Chris Hansen affronta un problema autentico, ma lo fa attraverso un meccanismo che trasforma la vergogna, la paura e la rovina personale in semplici contenuti da consumare. La scelta di inserire il programma in prima serata rivela il funzionamento di un sistema nel quale anche un progetto decisamente immorale viene valutato soprattutto in base alla sua capacità di generare ascolti.

Chris Hansen pretende di smascherare le contraddizioni degli altri, ma attraverso le indiscrezioni sulla sua relazione extraconiugale finisce per confrontarsi con le proprie, rivelando l’incoerenza di un personaggio che sembra confondere la propria funzione pubblica con una presunta superiorità etica. La regia straordinaria di Lance Oppenheim riesce a sperimentare e a raccontare la storia in maniera lineare senza mai apparire scontato. Il suo stile alterna continuamente la presenza e l’assenza di luce, in particolare nei momenti di difficoltà del protagonista, che resta a metà tra la luce del programma televisivo e il buio della sua vita matrimoniale. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#primetime #chrishansen #tocatchapredator #robertpattinson #robertpattinsonfan by @salanullius

“Il dottor Stranamore - Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba”, uno dei tanti capolavori di Stanley Kubrick, torna al cinema in un’imperdibile versione restaurata in 4K fino al 14 ottobre. Ispirato dal romanzo di Peter George, il racconto si svolge durante un imminente attacco nucleare all’Unione Sovietica voluto da un generale americano in preda alla pazzia, seguendo in contemporanea la base da cui è partito l’ordine, l’aereo in missione per il bombardamento e i vertici statunitensi che cercano di fermarlo.

Il film analizza perfettamente la paura che una guerra nucleare possa distruggere l’intera umanità. Il regista mostra l’assurdità della deterrenza nucleare, rappresentandola come il risultato di un sistema nel quale decisioni potenzialmente catastrofiche possono dipendere da individui incapaci di ragionare lucidamente e da procedure che nessuno riesce più a controllare. La follia individuale simboleggia anche quella di un sistema politico e militare che considera accettabile affidare la sopravvivenza dell’umanità a procedure automatiche, ordini e calcoli strategici. La pungente comicità di Stanley Kubrick rende questa situazione ancora più inquietante e maledettamente attuale.

Stanley Kubrick raffigura la fine del mondo con immagini accompagnate dalla canzone “We’ll Meet Again” interpretata da Vera Lynn, che sottolinea come potrebbe non esserci più nessuno da incontrare. In questo modo, il regista mette in evidenza le conseguenze di un sistema incapace di fermarsi prima di oltrepassare il punto di non ritorno. L’opera mostra in maniera straordinaria una civiltà capace di sviluppare tecnologie potentissime, ma incapace di garantire che il loro utilizzo rimanga subordinato alla responsabilità umana. Kubrick distrugge il sistema apparentemente costruito per proteggere l’umanità, che invece può trasformarsi rapidamente nel principale strumento della sua distruzione quando la logica del potere prevale sulla responsabilità morale. Visione obbligatoria.

✍🏻 @stefazito

#stanleykubrick #kubrick #kubrickcinema #masterpiecemovie #antiwar by @salanullius

“Ensemble”, il documentario di Manuel Cundari ed Eugenio Piluso, racconta la vita quotidiana di un gruppo di ragazzi migranti minorenni accolti alla Casa di Abou Diabo, una struttura per minori stranieri non accompagnati ad Acri, in Calabria. Il racconto mostra l’arrivo di Sekou, un giovane migrante, che ha attraversato il Mediterraneo ed è stato accolto alla Casa di Abou Diabo. Il suo ingresso nella struttura permette alla narrazione di introdurre gradualmente gli altri ragazzi, le relazioni che si sviluppano tra loro e le attività che caratterizzano le loro giornate. Accompagnati dalle splendide musiche di Eugenio Bennato, Cundari e Piluso cercano di costruire un rapporto di empatia e complicità tra il pubblico e i protagonisti attraverso interviste, riprese realizzate dai ragazzi stessi e ricostruzioni di esperienze realmente vissute.

Il documentario mostra bene come le identità dei singoli possano entrare in relazione e trovare uno spazio condiviso. I registi suggeriscono così che l’integrazione non dovrebbe essere intesa come un semplice adattamento individuale alla società che accoglie. Il titolo invita proprio ad accogliere lo straniero, ricordando che, al di là delle differenze culturali e geografiche, siamo tutti cittadini dello stesso mondo. In questo modo, il concetto stesso di straniero perde significato, poiché nessuno dovrebbe sentirsi estraneo in un mondo che appartiene a tutti. Un documentario sociale e politico importante oggi più che mai, poiché dimostra anche il forte razzismo che si cela dietro il concetto di «remigrazione», un termine recentemente abusato da troppe persone. Visione assolutamente consigliata.

✍🏻 @stefazito

#ensemble #insieme #documentario #cinemaindependente #calabria by @salanullius

“L’estranea” di Paolo Strippoli ruota attorno ad Anna, una donna benestante di Bari, interpretata da Jasmine Trinca, che inaspettatamente si presenta a casa della figlia Alice e decide di rivelarle tutta la verità che ha tenuto nascosta per vent’anni e che riguarda le fondamenta stesse della loro famiglia. Il privilegio familiare alimenta la convinzione che ogni difficoltà sia risolvibile attraverso il possesso di ricchezza, relazioni o strumenti straordinari. Il denaro non acquista realmente il controllo assoluto sulla vita, ma l’illusione di poterlo fare induce le persone a sacrificare valori e relazioni pur di difendere il proprio status.

La spirale di liquirizia suggerisce un movimento che sembra procedere, ma che continua a riportare verso un centro problematico. La tragedia nasce dalla convinzione che il fine possa giustificare qualsiasi mezzo, mentre le conseguenze rivelano l’impossibilità di separare un desiderio dalle responsabilità che comporta. Tuttavia, la suddivisione in sezioni dedicate ai diversi membri della famiglia mette in evidenza una struttura narrativa irregolare e incostante. Paolo Strippoli presenta un primo capitolo interessante, soprattutto per la sequenza del morso accompagnata da “Narcotic” dei Liquido, e un terzo particolarmente riuscito, grazie alla magnifica scena di Anna intrappolata nel traffico, alternata al primo bacio di Alice in spiaggia.

Il secondo capitolo, invece, risulta standardizzato e incapace di suscitare un’autentica empatia, mentre il quarto e l’epilogo risentono di un simbolismo eccessivo e ricco di cliché, nonostante un efficace colpo di scena finale metaforico. Il risultato finale spicca soltanto in mezzo ad un mare di prodotti nazionali scadenti, che lo fanno apparire un capolavoro agli occhi di molti. Ritengo che questo film dovrebbe rappresentare lo standard del cinema italiano e non l’eccezione ma, naturalmente, nell’attuale industria cinematografica nazionale, rappresenta una boccata d’aria fresca e, forse, la definitiva maturazione di questo regista che, affiancato da un grande sceneggiatore, potrebbe realizzare film davvero straordinari. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito by @salanullius

“Essi vivono” di John Carpenter torna nei cinema italiani in una nuova versione restaurata in 4K per un evento speciale dal 12 al 14 ottobre 2026. Tratto dal racconto “Alle otto del mattino” di Ray Nelson, la storia segue il disoccupato John Nada. Nella baraccopoli in cui vive scopre una misteriosa organizzazione clandestina, che nasconde una scatola contenente particolari occhiali da sole. Indossandoli, Nada scopre la vera natura della società. Gli alieni hanno infiltrato istituzioni, polizia, media e classi più ricche, diffondendo attraverso la pubblicità messaggi subliminali che impongono di obbedire, consumare e conformarsi.

Il film costruisce una straordinaria parabola sul capitalismo, raffigurando una massa instupidita e piena di consumatori cronici. Il regista mostra come il capitalismo controlli le masse, condizionando la mente delle persone, grazie al possesso di potere politico, economico e televisivo. L’alieno diventa quindi la personificazione del capitale come forza impersonale e predatoria. Il sistema capitalistico stesso produce quindi una classe che può vivere comodamente grazie allo sfruttamento di chi si trova sotto di essa. L’apparente libertà del consumatore viene così svelata al pubblico come un sistema fatto soltanto di comandi. In questo modo, la pubblicità viene presentata come lo strumento fondamentale del dominio.

Il capitalismo determina ciò che bisogna desiderare e contemporaneamente fa apparire quel desiderio come spontaneo. Gli alieni non devono convincere tutti della loro esistenza, bensì devono fare in modo che nessuno possa percepirla. La società capitalistica funziona proprio attraverso questa invisibilità, dato che lo sfruttamento, le disuguaglianze, la pubblicità e i rapporti di potere vengono trasformati in qualcosa di apparentemente naturale. Quindi, il potere non consiste soltanto nel controllare ciò che le persone fanno, ma nel controllare ciò che riescono a vedere. Un capolavoro assoluto per la sua forza tematica, il suo splendido messaggio e per i simbolismi visivi, che stupiscono ancora a distanza di molti anni. Visione obbligatoria.

✍🏻 @stefazito

#theylive #johncarpenter #cinema #essivivono #capitalismsucks by @salanullius

“El Draa”, il cortometraggio di Francesco Rubattu, presentato alle Giornate degli Autori della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e selezionato al Desenzano Film Festival 2026 e al Lago Film Fest 2026, mette in relazione due dimensioni. Da una parte c’è la Chioggia contemporanea, fatta di porto, lavoro, pescatori e quotidianità. Dall’altra c’è una dimensione mitologica legata alla memoria dell’ultimo drago marino dell’Adriatico. In questo modo, il drago si trasforma in una presenza capace di mettere in comunicazione il passato con il presente. Il drago appartiene ad un mondo che sembra ormai scomparso, mentre il porto rappresenta la trasformazione contemporanea della laguna.

Francesco Rubattu sembra dunque chiedersi cosa rimanga di un territorio quando la sua identità viene progressivamente trasformata dall’attività umana. In questo senso, il fantastico non costituisce una vera e propria fuga dalla realtà, poiché serve soprattutto a renderla più evidente. Il mare stanco può quindi essere interpretato come il riflesso di una comunità e di un ambiente sottoposti ad una trasformazione progressiva. Il regista evita il linguaggio totalmente documentaristico per trasformare la crisi ambientale in una sensazione. Sebbene abbia qualche difetto, il risultato finale prova a superare i confini tra documentario, racconto mitologico e sperimentazione, sviluppando un’opera unica e priva di etichette. Visione consigliata.

✍🏻 @stefazito

#giornatedegliautori #indieshortfilm #desenzano #cinemaitaliano #docufiction by @salanullius