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Drawings, stop motion and movie/series reviews (mostly Asian).
"Qui donc devant l'amour ose parler d'enfer?"
C. Baudelaire

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Film🎥: Nosferatu (2024)

Regista🎬: Robert Eggers

Trama:
Ellen è tormentata dalle visioni mortifere di un mostro che popola i suoi incubi. Il suo sposo, l'agente immobiliare Thomas Hutter, si reca presso il castello del Conte Orlok per vendergli una tenuta in città, senza sapere che si tratta proprio del protagonista degli incubi della moglie, un vampiro centenario prossimo all'attacco.

Recensione:
Il male nasce di noi o viene da un altrove? Per anni il film d'art europeo si è interrogato su questo tema, donando di volta in volta nuova energia vitale, poesia visiva e linfa cinematografica al mostro succhiasangue ideato da Polidori e consacrato da Bram Stoker.
I rischi che si corrono con un secondo remake di Nosferatu sono molteplici. E, alcuni, Robert Eggers è costretto ad affrontarli faccia a faccia: la ristagnazione narrativa, l'iniziale appiattimento del mostro, il cromatismo monocorde.
Ma sono anche moltissimi gli elementi, ormai marchio di fabbrica autoriale, che il regista di The Witch e The Lighthouse sa amalgamare sublimamente: il cast, le luci, la riscrittura del mito.
La bravura di Lily Rose Depp che concretizza le parole in immagini dona a Robert Eggers la possibilità di cedere alla sua star di punta il ruolo chiave del film, affidandosi completamente alla forza comunicativa della sua evocativa espressività.
Il quarto lungometraggio del regista, ennesimo remake dell'omonimo Nosferatu di Murnau, nonché ennesima trasposizione filmica del testo stokeriano, vive di una regia sopraffina, fintroppo accurata, meticolosa e 'pulita', al punto che il campo lungo geometrico rischia di trasformarsi in mero virtuosismo pittorico e il movimento di carrello preciso di diventare un futile esercizio di stile. In altre parole, si ricerca a volte una perfezione artificiosa e innaturale che stona in un'opera di finzione che intende presentarsi al grande pubblico come fiaba nera folkloristica. È ad oggi il grande difetto di Robert Eggers, che qui al suo quarto lungometraggio è forse più giustificabile, trattandosi questo di un horror gotico di ispirazione letteraria e dai molteplici, raffinati predecessori.
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9

3

Film🎥: Bring her back (2025)

Registi🎬: Danny e Michael Philippou

Trama:
Dopo la morte del padre, due fratelli vengono dati in affidamento ad una strana signore che vive nella foresta con un bambino muto. La casa ospita in realtà un pericoloso rito satanico.

Recensione:
Andy e Cathy hanno vissuto il trauma della perdita del padre. Laura ha invece perso la figlia. Laura si assume la responsabilità di accudire i due ragazzi nella sua casa nella foresta. Nei corridoi della casa, tuttavia, si aggira uno strano bambino calvo e muto che non sembra reagire ad alcun tipo di stimolo esterno. Né Andy né Carhy si interrogano sull'identità del piccolo, non si lasciano inquietare dalla sua misteriosa presenza, persino quando le cose si mettono molto male. Forse è proprio questo il problema più grande di Bring Her Back. È evidente che qualcosa sta andando storto, ma per qualche motivo non c'è bisogno di indagare. Questi i grandi difetti di sceneggiatura di Bring her back. Danny e Michael Philippou. Le due menti che avevano partorito Talk to me: ancora giovani, ancora elaborazione del lutto.
Bring her back abbandona tuttavia l'analisi sociale (e sociologica) della fotografia generazionale che era il discreto Talk To Me, e scava più a fondo nella psiche umana, ponendo nuovamente il trauma al centro della vicenda, stavolta come chiave risolutiva della stessa.
Andy e Cathy rappresentano quindi il trauma infantile, vissuto con la dolcezza di un amore fraterno che supera le difficoltà (e gli stereotipi di genere), mentre Laura è il trauma materno. I tre personaggi sono accomunati dalla perdita. Un padre che lascia i suoi bambini, una bambina che lascia la sua mamma. In questa specularità, Bring Her Back è impeccabile: Laura è il trauma che perseguita i due bambini, Bring Her Back è un continuo disfacimento familiare che si perpetua abbattendosi come maledizione da una madre a una coppia di fratellini. Ricreando le medesime situazioni di tensioni tra fratelli, il villain Laura, è in tal senso, la madre di un nuovo trauma, specularmente dialogante con quello passato. Tutti in Bring Her Back agiscono perché non hanno il coraggio di affrontare...
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12

4

Film🎥: 28 giorni dopo (2002)

Regista🎬: Danny Boyle

Trama:
Jim si risveglia solo in un letto di ospedale. Londra è deserta. È stata decimata da un virus che trasforma gli umani in spietati assassini. L'unica chance che ha di sopravvivere è fare squadra con i pochi superstiti rimasti come lui, ma non di tutti ci si può fidare...

Recensione:
È il 2002 quando la mitologia dell'orrore zombie viene riscritta per sempre, quando in una Londra deserta all'alba di un sole arido e desolante, si sveglia un pallido Cillian Murphy, inseguito da cineprese leggere e particolarmente economiche a effettuare riprese panoramiche sulle inerti e deserte strade. Il cinema zombie, sino ad allora, era sopravvissuto e aveva prosperato in America con George A. Romero, di cui Danny Boyle è sicuramente debitore, ma quasi mai era stato così venale, terreno e popolare come in 28 giorni dopo.
È il motivo per cui Danny Boyle opta per una cinepresa digitale a bassa definizione che restituisca un effetto "poco" cinematografico e più amatoriale. A salvare il film dalla trappola dell'effetto low-budget, ci sono tuttavia riprese da capogiro, una sbalorditiva fotografia crepuscolare e gli incredibili effetti pratici di uno zombie che è sempre meno zombie e sempre più umano. E infatti la battuta di punta del film "io vedo solo uomini che uccidono altri uomini" restituisce il senso complessivo dell'apocalisse Boyliano. Il virus ha infettato pochi paesi europei, quindi, è implausibile che abbia già oltrepassato l'oceano, allora dov'è l'America? E perché i pochi superstiti nei paesi infetti ingaggiano battaglie gli uni contro gli altri?
Questa è l'anima romeriana della pellicola di culto del 2002, il mostro lì fuori dà all'essere umano la scusa di manifestare la sua vera natura di mostro 'dentro'.
Allora Jim e Selena non sono due semplici, miracolati superstiti, sono l'unica speranza per il genere umano. Infatti, Jim è meno pessimista di Selena e vede l'unione tra i due come unica possibilità sia di recuperare un'umanità perduta, sia di mantenere viva la fiamma della passione in un mondo spento di morte e distruzione. "Non è tutto una merda"...
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19

2

Film🎥: Wolf Man (2025)

Regista🎬: Leigh Whannell

Trama:
Blake, in occasione della morte del padre, porta la sua famiglia nella baita di montagna della sua famiglia d'origine, per ricordare il defunto. Qui verrà morso da una strana creatura e inizierà una lenta trasformazione.

Recensione:
È luna piena nell'Oregon. 'Faccia da lupo', è questo il nome che gli autoctoni gli hanno dato, terrorizza i pochissimi abitanti di una valle immersa nel verde sperduta tra le montagne. Sembra un licantropo, e di fatto, attinge per narrazione e rappresentazione del mostro, agli intrecci più archetipici di lupi mannari: contagio, trasformazione prima sensoriale, poi fisica, ambientazione suggestiva e lugubre, conflitto interiore finalizzato alla repressione dei neo-istinti amimaleschi e la conservazione di uno spirito 'umano' sepolto sotto la peluria. Tuttavia, il contagio avviene anche per semplice contatto, l'aspetto del mostro è decisamente più antropomorfo e il contesto costruitogli attorno ben più intimo e circoscritto.
Wolf Man recupera infatti una dimensione familiare del racconto che da tempo non si vedeva in una storia di lupi mannari.
Il piccolo Blake viene cresciuto da un padre severo che lo rimprovera e lo mette in guardia sui pericoli del mondo circostante. Le sue parole, ruvide, talvolta addirittura aggressive, servono a proteggere il suo piccolo. Stacco. Presente. Ora, Blake è quel padre che vuole proteggere la sua cucciola, ma è anche il pericolo che ne minaccia la sicurezza; è spietato predatore e insieme genitore protettivo. Nella sua trasformazione convivono, in costante conflitto, lo spirito protettivo di conservazione della specie e quello distruttivo di predatore. E Neigh Whannell è abilissimo nel riuscire a non silenziare mai, ma anzi, mantenere vivo il lato genitoriale di Blake, anche nei momenti più crudi. Blake non può mancare al suo ruolo di padre. Forse non ha mai capito davvero il significato dietro i rimproveri del padre, ed è quindi convinto di dover e poter fare di meglio con la sua piccola. Tutto in Wolf Man rimane confinato ad una dimensione puramente familiare del racconto. Il flashback di inizio...
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17

4

Film🎥: La metà oscura (1993)

Regista🎬: George A. Romero

Trama:
Lo scrittore Thaddeus Baumaunt inventa un alter ego con il quale poter scrivere romanzi sboccati, violenti, lussuriosi. Le cose si complicano quando è costretto ad abbandonarlo, ma questi sembra manifestarsi in forma di misterioso assassino che si spaccia per lui.

Recensione:
Il rapporto tra cinema e letteratura in chiave di analisi metaartistica sul potere e l'influenza che la seconda esercita sulla percezione della realtà è un importante topos nel cinema horror e thriller psicologico.
Sam Neill visitava un paese fantasma ne Il seme della follia (John Carpenter), Johnny Depp inseguiva invece un misterioso libro presumibilmente scritto dal diavolo in persona (La Nona Porta, Roman Polanski).
La matrice de La Metà Oscura è il celeberrimo romanziere dell'orrore Stephen King, fonte di ispirazione per una molteplicità di grandiose trasposizioni, da Stanley Kubrick, passando per David Cronenberg, Brian De Palma e lo stesso sopracitato John Carpenter.
George A. Romero è l'ennesima grande cinepresa alle prese con la grande penna di King, che purtuttavia, stavolta, abbandona la vena gore tipica della sua poetica, legata alla rappresentazione di corpi maciullati, pelli pendenti e carni lacerate (che riprende solo nel sanguinoso finale), ma anche la riflessione sul consumismo e sulla classe conservatrice americana declinata attraverso le forme più disgustose e venali, per sposare un'idea di cinema più classica, devota ad una suspence tipicamente kinghiana, nonché una struttura narrativa più elementare e una regia asciutta che segue ossessivamente i suoi magnetici personaggi.
Il risultato è un thriller al cardiopalma a tinte fantahorrorifiche, che riflette sulla duplice natura dell'umano, ma soprattutto, dell'artista e del suo pubblico.
Allora, il contenuto 'sconcio' dei romanzi del perfido George Stark è quello che il pubblico vuole realmente leggere, laddove gli scritti di Thad Baumaunt sono insipidi in quanto ammantati di un finto perbenismo cui nessuno più è disposto a credere perché nessuno più sposa.
Lo sdoppiamento di personalità serve quindi a smascherare,...
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17

1

Film🎥: Creep (2014)

Regista🎬: Patrick Bride

Trama:
Aaron viene chiamato da un misterioso malato terminale per uno strano lavoro in una sperduta baita di montagna: il suo unico compito sarà filmare la giornata dell'uomo, che successivamente preparerà un documentario su sé stesso da regalare al futuro figlio che non conoscerà mai.

Recensione:
Mantenere la coerenza di fondo in una sceneggiatura dell'orrore che trasforma la violenza del 'mostro' in violenza dello sconosciuto, trasferendo la critica alla fiducia eccessiva che negli stessi sconosciuti riponiamo, è sempre estremamente difficile. E puntualmente si cade nella trappola di personaggi inverosimilmente ingenui che si lanciano nel contatto e la conoscenza di perfetti estranei trascurando con superficialità estrema il peso delle conseguenze. A volte è più facile sfuggire a questa trappola (Bed Time, Funny Games), altre, si rischia di caderci con tutte le scarpe e si finisce per mandare in vacca tutte le buone premesse (Speak No Evil, Knock Knock). Creep si colloca a metà strada e, spostando l'intera riflessione sul concetto della 'fiducia' nello sconosciuto e della banalità del male della porta accanto, regala un'esperienza immersiva fotografata con lo stile essenziale del found footage e caratterizzata da una ricerca minimalista nell'estetica e nei dialoghi.
La cinepresa che Aaron muove amatorialmente limita infatti le nevrosi e gli scatti isterici tipici della camera a mano del mockumentary classico, preferendo potenziare il valore della singola immagine, nella cui raggelante staticità è immortalato un connubio di elementi di gran classe: due performance penetranti, una gestione degli spazi che trasforma la claustrofobia in lotta per la sopravvivenza, e il limite spaziale in esplorazione della privacy prossemica. Così, Creep aggiorna la figura del maniaco assassino ad una sagoma losca, stravagante e imprevedibile incarnata da un inquietante 'uomo qualunque' e inquadra il problema dello stalking con una lucidità della disarmante attualità, addossando le colpe principali non al carneficie, ma alla vittima, che sceglie, il più delle volte, di sottostimare il problema,...
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19

3

Film🎥: The Ward (2010)

Regista🎬: John Carpenter

Trama:
Una ragazza viene rinchiusa in un ospedale psichiatrico femminile dopo esser stata colta in flagrante ad appiccare un incendio. Qui dovrà provare ad evadere con l'aiuto delle sue nuove compagne, che inizieranno tuttavia a morire in circostanze molto misteriose.

Recensione:
Il racconto del processo deumanizzante dell'ospedale psichiatrico e delle turbe psicotiche della malattia mentale è passato attraverso il filtro di più generi: il dramma (Qualcuno volò sul nido del cuculo), l'horror gotico (La cura del benessere), la commedia fantastica (I'm a cyborg but that's ok), tutti in qualche modo riconducibili e debitori del modello scorsesiano di Shutter Island.
Il cinema di John Carpenter, d'altro canto, ha già esaminato il sottile confine tra realtà e apparenza, sogno e verità, in storie in cui niente è davvero come sembra e tutto è il contrario di sé stesso (Il seme della follia, Essi Vivono).
L'ultima fatica dello storico regista statunitense è allora un horror dal taglio psicologico che unisce le istanze scorsesiane alla sopracitata riflessione sull'analisi del vero e del potere della mente. Ne risulta un buon film di genere, divertente e ben orchestrato, sebbene, alla fine della fiera, non esattamente il film che ci si aspetta da un John Carpenter.
Il racconto si assottiglia infatti a mero horror di ospedali infestati, silenziando la parte politica e sociale, in favore di un racconto più umano, intimo e personale che rischia tuttavia di cadere nell'ovvietà del ciclo fantasmi rancorosi, per poi riprendersi solo sul suggestivo finale, anch'esso tuttavia debitore di altri storici plot-twist del thriller psicologico (Identity- James Mangold).
Complessivamente, l'opera è un'interessante analisi della malattia mentale e delle conseguenze di un trauma sulla personalità individuale, ma poco rimane a livello di immaginario e, a netto di una regia e montaggio di buon mestiere, una discreta Amber Heard (in tempi ancora non sospetti) e un suggestivo tema sonoro, più interessante dell'opera stessa risulta, forse, l'estensione metafilmica del suo significato:
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18

8

Film🎥: Resident Evil (2026)

Regista🎬: Zach Cregger

Trama:
Bryan è un corriere di organi per un ospedale. A notte fonda gli viene commissionato il compito di consegnare un urgentissimo pacco. Non si aspetta che la sua notte si trasformerà in un incubo quando un'epidemia inizia a decimare la città.

Recensione:
Siete soli, alla guida di una macchina non predisposta per circolare sulla neve, in una notte d'inverno, buia, tempestosa, desolante, su un tornante di montagna sperduto nel nulla. Alla mano avete il Joypad che controlla un giovane e impaurito ragazzo sulla ventina, che scopre di dover sopravvivere ad un inquietante apocalisse con le sue scarse doti di videogiocatore incallito.
Ora, togliete il Joypad. Avrete Resident Evil - 2026. Ultima, ennesima trasposizione del celebre videogioco capcom, l'ultima pellicola tratta dal franchise horror è la dimostrazione che qualcosa nel dialogo tra cinema e videoludico si sta muovendo. L'intrattenimento transmediale tarato su un citazionismo liquido e reciproco tra espressioni artistiche inizia a sfruttare il suo potenziale e recuperare un certo suo fascino. Ne avevamo avuto discreti esempi, vedi il buon Dungeons and Dragons e il divertente Until Dawn, ma anche e soprattutto l'acclamatissimo The Last of Us. Così, Zach Cregger, dopo essersi ritagliato il suo spazio nell'horror contemporaneo (Barbarian, Weapons), sceglie una via più facile, tornando ad un'idea più dichiaratamente mainstream, e stupisce tutti con un horror solido, dal registro estetico notevole, l'azione fluida, le ambientazioni suggestive e una certosina gestione del tempo e degli spazi di scena. Tutto accade in una notte, una notte di terrore, di fuga e di pallottole. Una notte immortalata dal frenetismo di una cinepresa che non si ferma neanche un attimo e segue tachicardicamente, modello Safdie, il suo impacciato protagonista, in una corsa contro il tempo per salvare un'umanità che (quasi) non ha più speranze. Allora, la salvezza della specie è affidata ad un timido e impacciato, giovane inetto. Qui arriva il secondo colpo di genio di Cregger. Bryan non è un veterano di guerra, non un coraggioso uomo maturo...
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18

2

12

1

Film📽: Fantastic Mr Fox (2009)

Regista🎬: Wes Anderson

Trama:
Fox è un ex ladro di vacche che ora ha messo la testa a posto e ha trovato un lavoro stabile come giornalista; tuttavia, quando gli si presenta l'occasione di tornare in azione con un colpo a tre grandi proprietari terrieri, mette a repentaglio la sicurezza di tutta la famiglia.

Recensione:
Il primo lungometraggio animato di Wes Anderson è una graziosa favola con animali parlanti, che riunisce tutti i temi e i motivi estetici più cari al regista: i colori pastello, l'estetica rigorosa, il racconto della famiglia, della sua disgregazione e ricomposizione.
La tecnica è stop motion, la matrice Roal Dahl, autore molto amato tra i giovanissimi (La fabbrica di cioccolato).
I protagonisti sono volpi, dai vestiti eleganti, i dialoghi al solito sagaci e pungenti, ma anche dolci e profondamente umani. Il loro pelo ondeggia al vento in modo stilizzato e impreciso, e i loro movimenti sono scattosi e squisitamente esilaranti. Sono una famiglia unita, ma anche disgregata, un po' come i Whitman e i Tenenbaum. Ogni personaggio ha i propri problemi e segue in modo diverso i propri istinti animaleschi. Ma ad addolcire il tutto c'è, al solito, l'estetica di Wes Anderson, che si muove elegante tra un cromatismo autunnale e una rappresentazione pittorica della natura in cui abitano le volpi protagoniste. Ogni inquadratura è un meraviglioso quadro di figure stilizzate e chiazze pastose di toni caldi e marroneggianti.
Quello che Anderson stavolta inscena, mantenendo perfettamente intatti i principali motivi della sua poetica visiva e tematica, è una sfiziosa guerra tra mondo umano e mondo animale, in cui il primo è descritto come avido e spietato, ma il secondo come impossibilitato a fuggire dagli istinti che madre natura ha scelto per lui. In tal senso, uno dei massimi punti di forza della sceneggiatura è proprio la caratterizzazione di Mr Fox, che è diviso tra l'amore per la sua famiglia e il suo istinto di ladro. Non può rinunciare alla sua natura, ma nemmeno alla sua famiglia. Quindi, da brava volpe, sceglie la via più astuta e se le prende entrambe. Sul piano esistenzialista,...
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18

4

Film🎥: L'uomo senza Sonno (2004)

Regista🎬: Brad Anderson

Trama:
Trevor è un operaio di fabbrica che soffre di insonnia. Ha un carattere buono e altruista, è innamorato di una commessa che lavora in aeroporto. Presto, la sua insonnia lo conduce in una spirale di follia, in cui la finzione inizia a mischiarsi alla realtà fino a far sviluppare in lui la paura che qualcuno sta cospirando segretamente contro di lui.

Recensione:
Post-it ovunque. Confusione, amnesia, malattia, diffidenza. È il film sulla perdita (e recupero) della memoria. Il 'filone' che regalò forse per la prima volta a Christopher Nolan la fortuna che oggi può vantare di avere. Ma Memento non è l'unico e, in special modo, non il migliore.
Brad Anderson. Christian Bale sotto peso di una ventina di chili, allucinazioni continue, visioni di un passato (e un presente), forse, mai esistiti.
La fotografia plumbea e smorta si sposa in qualche modo magnificamente con il colorito cadaverico di Trevor, un uomo sulla mezza età, senza particolari vizi, se non quello della solitudine. Insonnia cronica, prostitute ogni tanto, routine stressante di una fabbrica con tanto di capo rompipalle. In fondo Trevor è un carattere docile e addomesticabile, ma come tutti i più grandi affetti da amnesia, inaffidabile, imprevedibile, forse, colpevole.
Allora The Machinist unisce la riflessione sulla memoria e sul ricordo a quella sulla coscienza e sul senso di responsabilità che ci distingue in quanto umani.
Man mano che il vortice di follia si chiude sullo spettatore fagocitandolo frame dopo frame, le colpe di Trevor vengono a galla e il film rivela la sua vera essenza: l'amnesia e l'insonnia sono un pretesto, una metafora del conflitto interiore con i nostri sensi di colpa, con il tormento per non aver adempiuto ai nostri doveri di esseri umani.
Quindi, la sceneggiatura, già ad una prima visione intrigante, appare doppiamente geniale ad una seconda e magari anche ad una terza visione, quando lo spettatore può permettersi il lusso di interpretare ogni singola proiezione mentale di Trevor, svelando le forme, i significati e i misteri delle sue nevrosi.
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22

10

Film🎥: Legend (1985)

Regista🎬: Ridley Scott

Trama:
Quando il perfido Signore delle Tenebre ordina lo sterminio degli unicorni per poter oscurare il sole e governare sul regno, rapendo la bella fanciulla di cui Jack è innamorato, Jack dovrà partire all'avventura per salvare il mondo e la sua donna.

Recensione:
Se nella più grande fiaba l'eroe senza macchia e senza paura affronta le più insormontabili difficoltà per sconfiggere il temibile mostro che tiene prigioniera la principessa, gli anni '80 brulicavano di fiabe fresche e irriverenti dalle narrazioni 'antitradizionali', che deridevano le strutture più classiche, pur rientrandovici pienamente. Quindi Rutger Hauer cammina al fianco della bella Michelle Pffeifer, pur non potendola amare, e Cary Elves salva Robin Wright affrontando nemici rispettivamente o troppo goffi o troppo buoni per guadagnarsi la nomea di villain temibili.
Non è tuttavia il caso di Legend, quarto lungometraggio del gladiatore del cinema Ridley Scott, che dopo la trinità Duellanti-Alien-Bladerunner, si lancia alla regia di un fantasy classico, dalle atmosfere forzatamente fiabesche, i toni kitsch e gli stereotipi del genere fortemente marcati.
Ne risulta allora un film confuso, a tratti barocco, a tratti epico, a tratti persino psichedelico, con punte di ottimo cinema e altre di b-movie da prima serata in famiglia.
Vanno all'autore di Alien e Il gladiatore sicuramente i meriti di aver restituito un'umiltà caratteriale ad un Tom Cruise poi destinato a diventare fiore all'occhiello della magniloquente e autocompiaciuta pomposità dell'industria hollywoodiana, e di aver raccontato una genuina e pulitissima fiaba, senza alterarne più di tanto lo sviluppo, i risvolti e i topos più classici.
Di fatto, la fotografia a tratti è davvero ottima, come il trucco e gli effetti, con cui Scott aspira ad una perfezione nell'artigianalità del character design che ancora oggi fa invidia ai villain di ogni blockbuster hollywoodiano.
Se quindi gli eccessi kitsch funzionano a tratti molto bene e sono spesso aiutati da un simbolismo che diventa tradizione poetica scottiana...
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