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Mara Prates

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Galerista & Art Dealer Sócia-Fundadora e Diretora da @ocregaleria
Arte Contemporânea
📍 Porto Alegre

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by @mara.prates_

INTERVALO – COLEÇÃO 2026 | ÚLTIMOS DIAS NA OCRE GALERIA

A Ocre Galeria encerra neste sábado, 31 de outubro, a exposição Intervalo – Coleção 2026, com curadoria de Paula Bohrer. A mostra reúne obras de 27 artistas e propõe uma experiência de observação que convida o público a desacelerar o olhar e ampliar suas relações com a arte.

Em um contexto marcado pela aceleração e pelo consumo imediato de imagens, a exposição propõe um tempo de permanência diante das obras, em que observar não significa necessariamente compreender de imediato, mas estar disponível às perguntas, às associações e aos sentidos que podem surgir desse encontro.
A seleção reúne diferentes trajetórias, linguagens e pesquisas artísticas. Para a curadora, colecionar é também estabelecer relações: aproximar obras, reconhecer afinidades e contrastes e construir, a partir dessas escolhas, um campo próprio de referências e pensamento.

A arquitetura participa desse percurso. Por meio da expografia, as relações entre as obras, as distâncias, as aproximações e os espaços vazios integram a experiência da exposição. A coleção deixa, assim, de ser apenas um conjunto de trabalhos e se transforma em um campo de experiência visual e sensorial, no qual arte, espaço, corpo e tempo se articulam.

Participam da mostra Bruno Borne, Carlos Pasquetti, Carlos Trevi, Clóvis Dariano, Cris Ioschpe, Eloisa Tregnago, Felix Bressan, Fernanda Valadares, Flávio Gonçalves, Gonzaga, Heloisa Crocco, Karin Lambrecht, Laura Fróes, Leopoldo Plentz, Lilian Maus, Luiz Felkl, Luciano Teston, Marilice Corona, Nelson Wilbert, Nick Rands, Patricio Farías, Paulo Whitaker, Rommulo Vieira Conceição, Teresa Poester, Vera Chaves Barcellos, Vik Muniz e Xico Stockinger.

Últimos dias: até 31 de outubro de 2026.
Visitação: segunda a sexta-feira, das 10h às 18h; sábado, das 10h às 13h30.
Local: Ocre Galeria — Avenida Polônia, 495, bairro São Geraldo, Porto Alegre/RS.
Entrada franca. by @mara.prates_

Marilice Corona, Subterrânea, 2014, acrílica e óleo sobre cartão telado, 20 × 30 cm.

Nesta série, Marilice Corona explora as relações entre pintura, observação e espaço expositivo. As cenas retratam visitantes diante de obras de arte, em situações que remetem a visitas a museus e galerias. Ao incorporar pinturas dentro de outras pinturas, a artista constrói um jogo de imagens e enquadramentos que amplia os níveis de representação e convida o público a percorrer visualmente a composição.

Segundo Margarida P. Prieto, o conjunto “é um desafio lúdico para o observador que se vê envolto num jogo de reconhecimentos”. O olhar identifica a capela que serve de espaço expositivo, reconhece pessoas entre o público presente na inauguração e percebe a repetição de pinturas em diferentes escalas e contextos arquitetônicos. Esse procedimento aproxima-se do conceito de mise en abyme, em que uma imagem se reproduz no interior de outra, criando o que Prieto define como “um abismo visual”.

Esse jogo de representação é acompanhado pelo rigor da execução pictórica. A superfície lisa, brilhante e sem texturas evidencia o cuidado técnico e remete à tradição da pintura europeia. Ao mesmo tempo, os enquadramentos aproximam as cenas da fotografia documental, registrando situações reconhecíveis do cotidiano artístico.

Marilice Corona (Porto Alegre, 1964) é artista, pesquisadora e professora do Instituto de Artes da UFRGS, onde se graduou em Pintura (1989) e Desenho (1990). É doutora em Poéticas Visuais pelo PPGAV/UFRGS, com estágio doutoral na Université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne, França (2009).
Obras em acervos: Museu Nacional de Belas Artes (RJ); MARGS; MACRS; Centro Cultural de Cascais – Fundação D. Luís I (Portugal); Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo (Pelotas); Pinacoteca Municipal Aldo Locatelli e Pinacoteca Barão de Santo Ângelo (UFRGS), em Porto Alegre. by @mara.prates_

Patricio Farías, sem título, série Reticulados, 2022, gravura digital, 112 × 77 cm

Da arte renascentista à Op Art, diferentes artistas recorreram a materiais e técnicas capazes de conduzir o olhar e alterar nossa percepção do real. A noção latina de illusio expressa esse movimento duplo: o olhar que se aproxima e se afasta daquilo que vê, seduzido por uma ilusão que, ao mesmo tempo, desafia e encanta. Nesse jogo, Patricio Farías propõe um mundo de múltiplas nuances, no qual é preciso rever o que se vê. Suas obras não oferecem uma leitura única; nelas, o engano é parte da experiência, como observa Yuri Flores Machado.

Na série Reticulados (2020–2022), Patricio Farías cria manualmente composições únicas que, à semelhança de matrizes de gravura, servem de base para a reprodução de imagens. Fotografadas por Leopoldo Plentz e convertidas em arquivos digitais, essas composições podem ser impressas em diferentes dimensões e múltiplos exemplares. O processo resulta em efeitos ópticos que desafiam a percepção e criam ambiguidades entre superfície e profundidade.

Patricio Farías (Arica, Chile, 1940) é escultor e artista multimídia radicado no Brasil. Estudou Desenho na Escuela de Bellas Artes da Universidad de Chile e licenciou-se em Artes Plásticas em 1972, tendo atuado como professor de Desenho e Expressão Gráfica na instituição. Mudou-se para Porto Alegre em 1983, onde lecionou Desenho e Serigrafia no Atelier Livre da Prefeitura e no Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS). Com uma trajetória de mais de cinco décadas, desenvolve trabalhos em escultura, gravura, fotografia e vídeo, frequentemente incorporando imagens apropriadas. Participou da 1ª e da 5ª Bienais do Mercosul e realizou exposições no Brasil e no exterior. by @mara.prates_

Flávio Gonçalves, Bóia, 2024, desenho e colagem sobre papel, 121 x 159 cm

Flávio Gonçalves articula desenho e colagem para reunir formas, objetos e fragmentos em uma composição que transita entre observação e invenção. A sobreposição de elementos e o registro do gesto constroem relações entre diferentes imagens e temporalidades, fazendo do papel um espaço de experimentação.

O desenho ocupa um lugar central na trajetória do artista, tanto pela liberdade de seus procedimentos quanto pela possibilidade de trabalhar com materiais acessíveis e variados. Como explica Gonçalves, essa prática lhe permitiu seguir produzindo mesmo em períodos de escassez de recursos. Mais do que uma etapa preparatória para outras linguagens, o desenho constitui, para ele, um campo autônomo de criação, ligado a uma tradição que atravessa diferentes épocas e contextos culturais.

Essa perspectiva se manifesta na diversidade de recursos presentes em sua produção: desenho direto, colagem, sobreposição e materiais como carvão e pastel. Elementos do cotidiano reaparecem transformados, estabelecendo correspondências entre formas, gestos e objetos. A imagem resulta desse encontro entre aquilo que se observa e aquilo que a ação de desenhar inventa.

Flávio Gonçalves (Porto Alegre, RS, 1966) é artista visual e professor titular do Departamento de Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), onde atua no ensino do desenho e no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais desde 1994. Doutor em Artes pela Universidade Paris 1 Panthéon-Sorbonne, França, em 2000, participa de exposições individuais e coletivas desde 1988. Suas obras integram acervos como os da Fundação Iberê Camargo, da Pinacoteca Barão de Santo Ângelo (IA/UFRGS), da Universidade Federal de Ciências da Saúde de Porto Alegre (UFCSPA) e do Museu de Arte Contemporânea do Paraná. by @mara.prates_

Nelson Wilbert, sem título, 2026, acrílica sobre tela, 130 × 200 cm

Na exposição Intervalo – Coleção 2026, Nelson Wilbert aproxima o vocabulário ornamental de William Morris de uma estrutura geométrica formada por círculos e quadrados. A composição articula sistemas visuais distintos: de um lado, a organicidade dos motivos decorativos; de outro, a ordenação geométrica que estrutura a superfície. Mais do que justapor padrões, o artista constrói um campo visual em que forma, ritmo e escala redefinem continuamente as relações entre os elementos.

Ao mobilizar imagens de diferentes contextos, Wilbert tensiona categorias como figura e fundo, ornamento e estrutura, superfície e profundidade. Os padrões deixam de operar como elementos isolados e passam a constituir um sistema de relações, no qual cada forma interfere na percepção das demais.

A ausência da figura humana e da paisagem, recorrentes em trabalhos anteriores do artista, concentra o olhar na organização da própria imagem. Embora mantenha vínculos com a tradição figurativa, a composição evoca a lógica da natureza-morta sem recorrer à representação convencional de objetos. Na interação entre padrões, contrastes e sobreposições, a pintura configura um espaço visual compartilhado, no qual as diferenças coexistem e se transformam mutuamente.

Nelson Wilbert (São José do Ouro, RS, 1969) é artista visual radicado em Porto Alegre. Bacharel em Artes Plásticas, com habilitação em Pintura, pelo Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), formou-se em 1993. Em 2021, apresentou a exposição individual Imagem metamórfica, com curadoria de André Severo, no Farol Santander, em Porto Alegre. Suas obras integram os acervos da Fundação Vera Chaves Barcellos, em Viamão (RS), do Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul (MACRS), do Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS) e da Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, do Instituto de Artes da UFRGS, em Porto Alegre. by @mara.prates_

Bruno Borne, Fiat Lux, 2026, computação gráfica, impressão digital sobre papel fotográfico, 60 × 60 cm | Edição: 5 + 1 P.A.

Bruno Borne explora reflexos, espelhamentos e estruturas geométricas para construir imagens que desafiam a percepção do espaço. A composição conduz o olhar por percursos visuais labirínticos, nos quais as formas parecem se desdobrar e multiplicar, criando relações entre profundidade, simetria e arquitetura. Como o próprio artista observa, seu interesse é produzir uma composição que faça “a visão saltar de forma em forma”, convocando o espectador a percorrer a imagem.

A precisão formal e a estética depurada do trabalho resultam de um processo que articula computação gráfica, geometria e pensamento arquitetônico. Para Borne, a tecnologia não é apenas um recurso técnico, mas um campo aberto à experimentação, capaz de ampliar as possibilidades de construção da imagem. Os reflexos e os espelhamentos aproximam o olhar, o corpo e a arquitetura, enquanto a organização espacial evoca universos visuais que remetem às construções de M. C. Escher e aos espaços labirínticos de Giovanni Battista Piranesi.

Bruno Borne (Porto Alegre, RS, 1979) é artista visual e arquiteto, doutor em Poéticas Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UFRGS. Sua produção articula computação gráfica, animação digital, luz e som em trabalhos que investigam as relações entre arte, arquitetura, natureza e espaço expositivo. Participou da 13ª Bienal do Mercosul, em 2022, e possui obras em acervos públicos e privados, entre eles o MARGS, o MAC-PR e o MAC-RS. by @mara.prates_

Luciano Teston, sem título, 2020, grafite e aquarela sobre papel, 150 x 152 cm

Luciano Teston (Iraí, RS, 1971) é artista visual e arquiteto. Vive e trabalha em Porto Alegre, onde desenvolve uma pesquisa centrada na linguagem do desenho, com especial atenção ao traço, ao grafite e às possibilidades expressivas das superfícies. Graduou-se em Arquitetura e Urbanismo pela UNISINOS, em 1995, e em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da UFRGS, em 2018. Em 2016 e 2017, atuou como docente no curso de extensão Desenhos Imperfeitos, na Faculdade de Arquitetura da UFRGS.

Seus desenhos partem de uma observação minuciosa de texturas, padrões, sombras e dobras, frequentemente extraídos de elementos cotidianos. Tecidos, cobertores e outros objetos familiares são transformados pela atenção aos detalhes, dando origem a imagens que desafiam o reconhecimento imediato. Embora mantenham vínculos com suas referências originais, os desenhos não se restringem à figuração: ao isolar e reorganizar formas e texturas, o artista transita entre a representação e a abstração, preservando vestígios do real mesmo quando este já não se deixa reconhecer plenamente. A repetição dos traços e a predominância do grafite e do preto constroem superfícies que oscilam entre o familiar e o estranho, o atraente e o inquietante.
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Como observa o crítico e historiador da arte Alexandre Santos, os desenhos do artista deslocam nossa percepção do real, revelando ambiguidades e relações inesperadas entre formas e sentidos. Mais do que representar objetos, Luciano explora aquilo que as imagens podem ocultar ou revelar, tornando incerta a fronteira entre o que reconhecemos e o que imaginamos. Nesse jogo entre aparência e percepção, o cotidiano adquire novas camadas de significado, reafirmando a ideia que dá título ao texto de Santos: o real resiste. by @mara.prates_

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Nick Rands, Diagonal cross, 2005, terra sobre tela (rolled), 200 x 200 cm

A pintura de Nick Rands nasce de sistemas de regras, padrões e repetições que orientam o processo artístico sem determinar previamente seu resultado. Como observa a curadora Alexia Tala, sua prática parte de uma metodologia na qual o artista se coloca a serviço de um sistema concebido por ele próprio, abrindo espaço para o acaso, a descoberta e o inesperado.

Em sua pesquisa pictórica, Nick amplia as noções tradicionais de pintura ao utilizar barro e as próprias mãos como instrumentos de criação. A matéria, o gesto e a repetição tornam-se elementos fundamentais de um processo em que cada ação dá continuidade à anterior, seguindo uma lógica estabelecida pelo artista, sem que a imagem final seja inteiramente prevista. Mais do que executar uma ideia previamente definida, ele experimenta os limites de seu próprio método, permitindo que a obra emerja da relação entre regra, ação e matéria.

Nick Rands (Chester, Inglaterra, 1955) estudou Artes Plásticas na Universidade de Reading e Arte-Educação na Universidade de Bristol, na Inglaterra. Lecionou arte no Reino Unido e em Botsuana e trabalhou com programas educativos em galerias de arte. Em 1992, participou como artista do intercâmbio Southern Arts–Brasil, em Porto Alegre. Mudou-se para o Brasil em 1998 e, em 2016, passou a residir em Caunes-Minervois, na França. by @mara.prates_

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Clóvis Dariano, Cena de campo, série Paisagem sobre Paisagem, 1977, fotografia, 3/10, 60 × 80 cm

Em Cena de campo (1977), Clóvis Dariano investiga a paisagem para além de sua representação documental, explorando as possibilidades da fotografia como linguagem artística. A obra propõe um olhar sobre a própria construção da imagem e os modos como percebemos e interpretamos aquilo que vemos. A paisagem deixa de ser apenas um espaço a ser registrado e passa a constituir um campo de experimentação visual.

A pesquisa de Dariano dialoga com as experiências conceituais que marcaram a arte brasileira nos anos 1970, quando artistas passaram a questionar os meios tradicionais de produção e circulação da arte. Nesse contexto, a fotografia assume um papel que vai além do registro: torna-se instrumento de reflexão sobre a imagem, a percepção e as diferentes camadas de significado que podem se sobrepor à realidade.

Clóvis Dariano (Porto Alegre, RS, 1950) é fotógrafo e artista visual. Sua trajetória articula a fotografia profissional e a pesquisa autoral. Estudou pintura com Paulo Porcella, frequentou o Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS) e aprofundou seus estudos em arte conceitual com Julio Plaza e em gravura em metal com Iberê Camargo.

Em 1977, foi um dos idealizadores e editores do Nervo Óptico, coletivo de artistas atuante em Porto Alegre que teve papel importante na renovação das artes visuais no Rio Grande do Sul. Com a publicação Nervo Óptico – Publicação Aberta a Nova Poesia Visual, o grupo criou um espaço independente de experimentação e circulação de propostas artísticas, questionando as convenções estabelecidas e ampliando as possibilidades de atuação da arte contemporânea. A fotografia, o filme, a poesia visual e outras linguagens integravam esse movimento de investigação e contestação.

Foto @niltonsantolin

Foto @raquelbrust

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Foto @niltonsantolin by @mara.prates_

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Cris Ioschpe, sem título, 2025, monotipia, 40 x 54 cm

A obra apresentada na exposição Intervalo – Coleção 2026 é uma monotipia derivada da série Espelho d’água, originalmente desenvolvida em gravura em metal. Como explica a artista, o processo parte do procedimento habitual de impressão, mas ganha um novo desdobramento quando ela pinta diretamente sobre a matriz com tinta a óleo. A gravura transforma-se, assim, em suporte para a pintura, dando origem a uma obra única, sem possibilidade de edição.
As cores quentes da paisagem evocam imagens de regiões devastadas por incêndios ou assoladas pela seca, trazendo à obra uma reflexão sobre as ameaças ecológicas que o planeta enfrenta atualmente. Nesse trabalho, a artista articula procedimentos da gravura e da pintura para construir uma imagem que, além de explorar as possibilidades técnicas e expressivas desses meios, remete à fragilidade dos ambientes naturais diante das transformações climáticas.

Cris Ioschpe (Porto Alegre, RS, 1967) vive em São Paulo desde 2000. Formada em Artes Plásticas pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), em 1992, construiu sua trajetória a partir da pesquisa em pintura e gravura, estudando com artistas como Maria Tomaselli, Anico Herskovits, Paulo Pasta e Claudio Mubarac. Suas obras integram coleções públicas no Brasil e no exterior, entre elas as do Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul (MACRS), do Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS) e do Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro.

@raquelbrust

@raquelbrust by @mara.prates_