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SOLÈNE

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Art Advisory.

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Portrait of Jeanne Pissaro in 1872 and Jeanne Pissaro tenant un éventail in 1873 by Camille Jacob Pissaro

Yale university and Ashmolean Museum Oxford.

#art #pissaro #child #artcollection #artist by @solene

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9 months ago

WHAT’S ON ANDY WARHOL MUSÉE DU LUXEMBOURG
Vol 06 16/09

Si le nom d’Andy Warhol évoque immédiatement les sérigraphies et les portraits de célébrités, son œuvre dessinée occupe une place essentielle dans sa pratique artistique. L’exposition “Andy Warhol. La ligne et l’image” révèle combien ce médium, loin d’être accessoire, accompagne l’ensemble de sa carrière.
Formé à l’illustration, l’artiste n’a jamais cessé de dessiner, y compris après l’adoption des procédés mécaniques qui ont marqué son travail. Le dessin apparaît ainsi comme un lieu d’expérimentation constant, où se construisent les images et se déploie une pensée visuelle singulière. D’un premier Autoportrait daté de 1942 aux dessins à l’acrylique pour La Dernière Cène en 1986, la production dessinée de Warhol est abondante et variée. Portraits, caricatures, scènes de genre, illustrations publicitaires, portfolios autopromotionnels : le dessin reste son outil de prédilection jusqu’à la fin des années 1950. Il lui permet de s’émanciper progressivement des influences de Klee, Picasso, Cocteau, ainsi que d’artistes américains comme Shahn. Par le dessin, Andrew Warhola devient Andy Warhol.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.
L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory.

#art #artist #artgallery #artcollector by @solene

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a month ago

HAPPY ART MOMENT
Vol 05. ARTHUR RIMBAUD, POESIES 1870.

Arthur Rimbaud est né à Charleville-Mézières (Ardennes) d’un père militaire et d’une mère, fille de propriétaires ruraux. Au collège municipal de Charleville, il est un élève brillant et précoce qui s’intéresse à la poésie et rêve d’être publié. En 1869, il remporte le premier prix du Concours académique. Dès l’âge de quatorze ans, il écrit ses premiers poèmes dont Etrennes des orphelins, publié le 2 janvier 1870 dans La Revue pour tous.

En 1870, durant la guerre avec la Prusse, Arthur Rimbaud fugue à deux reprises pour aller à Paris rencontrer des poètes puis, pendant la Commune de Paris, il prend parti pour les insurgés. Il fait la connaissance de Paul Verlaine et devient son compagnon début 1872. Il mène avec lui une vie d’errance en France, en Angleterre et en Belgique. Après une querelle, Paul Verlaine blesse légèrement Arthur Rimbaud à la main d’un coup de révolver, ce qui lui vaudra deux ans de prison, malgré le retrait de la plainte de ce dernier, surtout à cause de son homosexualité.

En 1873, de retour dans la ferme familiale, Arthur Rimbaud publie son unique ouvrage de son vivant, “Une saison en enfer”, recueil de poèmes en prose. Il met un terme à sa carrière de poète, au profit de la lecture et de l’apprentissage des langues.

En 1870, durant la guerre avec la Prusse, Arthur Rimbaud fugue à deux reprises pour aller à Paris rencontrer des poètes puis, pendant la Commune de Paris, il prend parti pour les insurgés. Il fait la connaissance de Paul Verlaine et devient son compagnon début 1872. Il mène avec lui une vie d’errance en France, en Angleterre et en Belgique. Après une querelle, Paul Verlaine blesse légèrement Arthur Rimbaud à la main d’un coup de révolver, ce qui lui vaudra deux ans de prison, malgré le retrait de la plainte de ce dernier, surtout à cause de son homosexualité.

En 1873, de retour dans la ferme familiale, Arthur Rimbaud publie son unique ouvrage de son vivant, “Une saison en enfer”, recueil de poèmes en prose. Il met un terme à sa carrière de poète, au profit de la lecture. by @solene

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a month ago

WORDS BY VAN GOGH
Vol 05.

Love many things, for therein lies the true strength, and whosoever loves much performs much, and can accomplish much, and what is done in love is done well.

“I dream my painting, and then I paint my dream.”

“If you hear a voice within you say ‘you cannot paint,’ then by all means paint, and that voice will be silenced.”

“Great things are done by a series of small things brought together.”

“I want to touch people with my art. I want them to say ‘he feels deeply, he feels tenderly.’”

“I would rather die of passion than of boredom.”

#art #artandinteriors #artcollector #artlover #artadvisory by @solene

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a month ago

ART AND LIVING The Brueghels: The Origins of Modern Pictorial Genres in Europe

📍Palazzo Reale, Milano - From September 29th, 2026 - January 31st, 2027

One surname alone speaks to an entire century of European painting: Brueghel. Not just one artist, but a dynasty that spanned Flanders, Italy, and Europe, leaving a mark we still recognize today.

The founder, Pieter Bruegel the Elder, born between circa 1525 - 1530, changed the way peasants, festivals, and landscapes were depicted in painting with almost photographic precision. This marked the birth of a new way of understanding painting, where landscape ceased to be a backdrop and everyday life became a subject worthy of a painting.

The master’s legacy was passed down to his sons, who reinterpreted it in different directions, reaching as far as Milano, where Jan Brueghel the Elder met Cardinal Federico Borromeo.

Palazzo Reale reconstructs this intertwining of cultures with over eighty works, including paintings, drawings, and prints, allowing visitors to follow three generations of artists as they forever transformed the genres we still know today: landscape, still life, genre scene, and allegory. The exhibition recounts not only the journey of a family, but the historical moment when, between the Flemish region and Italy, European painting found a new language for viewing the world.

#art #artadvisory #artwork #artgallery #artcollector by @solene

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a month ago

ART ADVISORY : Art Advisory × Art History
Vol. 05.

High-resolution image of a canonical masterwork (e.g., Claude Monet’s Le Pont de bois, 1874.

Art History tells the story.
Art Advisory knows what it’s worth.

Art History asks: Why is this work significant?

It looks at light, technique, the post-war reconstruction of Argenteuil, and its place in the rise of Impressionism.

Art Advisory asks: Why is this work valuable?

It looks at rarity, market liquidity, provenance back to the artist’s easel, and condition integrity.

How historical importance translates into market protection:
Rarity: How many 1870s works remain in private hands vs. museum collections?

Provenance: Is the ownership history unbroken and documented in the Catalogue Raisonné?

Condition: Has the original surface survived intact over a century?

Market Placement: Where does this sit within the artist’s peak period?

Behind every blue-chip masterwork is a dual story: its place in art history, and its position in the global market.

An art historian uncovers the genius, the movement, and the cultural context. An art advisor ensures that historical value is protected by rigorous due diligence—from verifying unbroken provenance to assessing condition, market benchmarks, and title clarity.
Without art history, a collection has no narrative. Without art advisory, a collection has no strategy.

Which side of art collecting fascinates you more—the historical story behind a piece, or the strategic market side? Let’s discuss below. 👇

#artadvisory #artist #artcollector #artwork #artlover by @solene

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a month ago

PORTRAITS SUZANNE VALADON
Vol 05.

Muse ou peintre révolutionnaire : qui était Suzanne Valadon ?
Célébrée au Centre Pompidou, l’artiste française a défié les conventions du 19e siècle, affirmant la liberté et la puissance des femmes dans l’histoire de l’art

Dans La Chambre bleue (1923) de Suzanne Valadon, une femme repose sur son lit défait, le regard dans le vague, cigarette au bec.

Sa pose rappelle celle des odalisques, ces femmes de harem souvent peintes nues et lascives, mais en subvertit les codes.
D’abord, elle est habillée : un pantalon rayé et un débardeur à double bretelle, qui confère à la toile une modernité surprenante. Ensuite, elle n’est pas objet mais bien sujet : une main nonchalamment posée sur la hanche, elle semble prise dans un instant de rêverie ou de réflexion, inspiré peut-être par les livres posés à ses pieds. Elle ne se soucie guère de notre regard ; d’ailleurs, à tout instant, elle va allumer cette cigarette et se lever.

La Chambre bleue séduit par la beauté et l’expressivité de son coup de pinceau, mais aussi par le regard empathique que Suzanne Valadon pose sur son modèle, donnant à son sujet féminin une présence et une liberté rarement incarnées dans les toiles de ses contemporain·e·s

Et pour cause : Suzanne Valadon est l’une des rares artistes femmes parmi les avant-gardes parisiennes qui hantent les cabarets de la butte Montmartre à la fin du 19e siècle. Bien qu’elle connût un certain succès de son vivant, son œuvre a longtemps été éclipsée de l’histoire de l’art, qui la cantonna à ses relations masculines – modèle pour les grands peintres de la modernité ; amante d’Erik Satie, entre autres ; mère du peintre Maurice Utrillo, dont l’œuvre, elle, passera à la postérité. Pourtant cette artiste autodidacte, issue de la classe ouvrière, laisse derrière elle une œuvre remarquable – 500 toiles et 300 œuvres sur papier –, à la fois nourrie des courants de son époque et résolument libre.

#susanevaladon #art #artgallery #artcollector #artofinstagram by @solene

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2 months ago

ART AT HOME
Vol 05. Home of Sue Hostetler in Aspen, Colorado

Hanging in a corner of the living room are small works by Andy Warhol and Takashi Murakami, while the Alexander Calder sculpture is perched between vintage Hans Olsen chairs. Joining them are a Xandre Kriel cocktail table, a Jorge Zalszupin armchair from Espasso, and a side table by Christophe Côme.

#artist #art #artathome #artcurator #artcollector by @solene

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2 months ago

WHAT’S ON ÉTERNEL TINTORET au MUSÉE
JACQUEMART ANDRÉ À PARIS.
Vol 05.

Jean-Paul Sartre lui avait attribué le surnom de « Séquestré de Venise ». C’est en effet dans cette ville que Tintoret (1518–1594) a contribué au mouvement maniériste au cœur de la Renaissance italienne, au même titre que Véronèse et Titien. Cet élève de Titien est connu pour sa chimie des couleurs, ses effets de lumière saisissants et la monumentalité de ses toiles. Comme la plupart des artistes de son temps, ses œuvres traitent principalement de sujets religieux. Il fut, sans aucun doute, l’un des artistes les plus populaires du milieu du XVIe siècle.

Fils d’un teinturier auquel il doit son surnom de Tintoret, Jacopo Robusti entre en apprentissage aux côtés de Titien, l’un des plus grands peintres vénitiens. Il a à peine 15 ans et admire déjà Michel-Ange. L’histoire rapporte que Titien, ayant rapidement perçu les aptitudes exceptionnelles de son élève, en prit ombrage et vint à le considérer comme un rival.

En 1564, Tintoret devient le décorateur officiel de la Scuola Grande de San Rocco et réalise une important cycle, des scènes de la vie de Jésus et de la Vierge Marie. À la différence des travaux des peintres de la Renaissance classique, comme Léonard de Vinci, Tintoret déploie une verve maniériste : il privilégie une certaine dramatisation, le mouvement et l’exacerbation de la gestuelle. En quelque sorte, il préfigure le baroque. Pour réaliser ces effets spectaculaires, l’artiste travaille d’après des figurines de cire qu’il éclaire à l’aide d’une torche.

De 1578 à 1580, Le Tintoret travaille pour Guillaume Gonzague, le puissant duc de Mantoue. Mais la plus grande partie de sa vie, Tintoret la passa à Venise.

L’un des décors principaux de Tintoret fut réalisé pour le palais des Doges, après un terrible incendie survenu en 1577. En 1588, alors que Véronèse ne peut assurer cette commande, il achève sa toile sur le thème du paradis qui n’occupe pas moins de 26 mètres de long et compte 500 personnages.

#art #whatson #artadvisory #artist #artcollector by @solene

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2 months ago

HAPPY SOLÈNE’S ART MOMENT.
Vol 04. Quote from the Alchemist.

Paulo Coehlo, 1947-, Brazil, writer, poet. by @solene

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2 months ago

WORDS BY YAYOI KUSAMA
Vol 04.

Yayoi Kusama, the iconic Japanese avant-garde artist known globally as the “Princess of Polka Dots,” used her words as a powerful extension of her visual art.

But because New York was the sort of place it was, there were also many artists with true backbone – robust people who could not be broken. And these artists were doing good work.

Since my childhood, I have always made works with polka dots. Earth, moon, sun and human beings all represent dots; a single particle among billions.

More and more, I think about the role of the arts, and as an artist, I think that it’s important that I share the love and peace.

People ask about art and commercialism. I think that if someone tries to sell their work at a high price, that is the wrong way of doing it.

I hope royalty continues forever. This is the thing that can contribute to peace throughout the world.

I, Kusama, am the modern Alice in Wonderland.

I have a flood of ideas in my mind. I just follow my vision.

All sentences by Yayoi Kusama. 🧡

Merci for all those years of hallucinations, dream world realities, extreme obsessions, vibrant dreamy colours, love and life, infinite realities and dreams, you keep pushing onto us.

I truly believe this is how she saw or wanted to see the world and therefore saw it on a daily basis. Imagination is just a way on how you can create your own physical reality. 💙

#art #artadvisory #artist #artofvisuals #yayoikusama by @solene

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2 months ago

ART AND LIVING
Vol 04. La Tapisterie de Bayeux, British Museum, du 10 Septembre au 11 juillet 2027.

Œuvre d’art textile effectuée à l’aiguille sur une toile de lin bis assez régulière, brodée avec quatre points différents de fils de déclinés en dix teintes naturelles, elle expose 623 personnages, 994 animaux, 438 végétaux, 37 forteresses et bâtiments, 41 navires et petites embarcations, et d’innombrables objets très divers. Elle décrit des faits allant de la fin du règne du roi d’Angleterre Édouard le Confesseur en 1064 à la bataille d’Hastings en 1066, dont l’enjeu était le trône d’Angleterre, donné en héritage à Guillaume le Conquérant, duc de Normandie par Édouard et contesté par Harold Godwinson, son cousin.

Les péripéties-clés de la bataille, dont l’issue détermina la conquête normande de l’Angleterre, y sont détaillées, mais près de la moitié des scènes relatent en fait des épisodes antérieurs à l’invasion elle-même. Cette œuvre historiée semble avoir été commandée par l’évêque Odon de Bayeux, le demi-frère de Guillaume et réalisée au cours des années qui ont suivi la conquête.

Bien que présentant les événements sous un jour très favorable à Guillaume le Conquérant, au point d’être considérée parfois comme une œuvre de propagande pour asseoir la légitimité de ce dernier à régner sur l’Angleterre et rallier les nobles saxons, elle a une valeur documentaire inestimable pour la connaissance du xie siècle normand et anglais. Elle renseigne ainsi sur les vêtements, les châteaux, les navires et les conditions de vie de cette époque. De façon générale, elle constitue un des rares exemples de l’art roman profane.

Conservée jusqu’à la fin du xviiie siècle dans le trésor liturgique de la cathédrale de Bayeux, elle échappe de peu à la destruction lors de la Révolution française. Depuis 1983, elle est présentée au public au centre Guillaume-le-Conquérant à Bayeux, qui lui est entièrement consacré et sera en exposition au British Museum, du 10 Septembre au 11 juillet 2027.

#art #musee #britishmuseum #artist #guillaumeleconquérant by @solene

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2 months ago